Rudi Gernreich na moda unissex

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Rudi Gernreich, o estilista de vanguarda nascido na Áustria nas décadas de 1950 e 1960, encontra substância no estilo em sua discussão sobre o efeito das roupas andróginas nos papéis de gênero.


Além do peito descoberto

HOJE, O DESIGNER AUSTRIANO-AMERICANO Rudi Gernreich (1922-85) é mais conhecido por seu maiô de topless, ou o ‘monokini’ como foi apelidado, personificado por Peggy Moffitt. Esta imagem icônica, ao lado de seus chamados designs "excêntricos" em cores psicodélicas e silhuetas elegantes da era espacial, passaram a definir popularmente seu corpo de trabalho. Como designer, ele definiu um jornalista de moda da era para O jornal New York Times, Bernardine Morris o chamou de "o designer de vanguarda líder do país nas décadas de 1950 e 60 & # 8217. No entanto, a influência de Gernreich foi mais profunda: de seu envolvimento nas primeiras vertentes do movimento pelos direitos dos homossexuais da América, às suas declarações ousadas e muitas vezes controversas que ele fez como designer que questionou o papel da moda na cultura. Apesar disso, Gernreich se tornou mais uma nota de rodapé na história da moda do que um ícone cultural de uma geração, um título mais merecedor do designer dinâmico.

O terno sem camisa de Gernreich foi fotografado pela primeira vez durante Olhar revista em junho de 1964, mas a modelo desconhecida manteve-se de costas para a câmera. A primeira vez que apareceu em uma modelo com os seios expostos foi em Roupa feminina diária no final daquele mês, na icônica Peggy Moffitt.

A história do designer começa no cenário sombrio da Europa pré-guerra. Gernreich e sua mãe judia fugiram de Viena para a Califórnia logo depois que os nazistas acessaram a Áustria em 1937. Depois de algumas passagens curtas em Hollywood, como seu trabalho desenhando para a famosa figurinista Edith Head (muito mais tarde ele elaborou fantasias deliciosas para o musical incrivelmente ruim de Otto Preminger Skidoo), ele começou a produzir designs para a indústria da moda em 1950. Nessa época, ele se envolveu romanticamente com Harry Hay, um ativista político frequentemente chamado de fundador do movimento moderno pelos direitos dos homossexuais. Durante seu relacionamento de três anos, eles co-fundaram a Mattachine Society, a primeira organização de direitos gays da América. A participação de Gernreich no grupo foi breve, mas crucial, durou apenas alguns anos, e depois disso ele nunca mais reconheceu publicamente sua homossexualidade. Seu cofundador e ex-parceiro Hay foi na outra direção, passando a fundar o Radical Faeries, um grupo "gay hippie", na década de 1970, um grupo que continua a ter membros ativos internacionalmente hoje.

Gernreich (usando a gravata) foi cofundador da Mattachine Society com Harry Hay, canto superior esquerdo.

O envolvimento breve, mas influente de Gernreich na história do movimento pelos direitos dos homossexuais sobrevive em um caderno de Mattachine no arquivo do designer na UCLA, na Califórnia. Uma página em particular mostra notas para uma discussão planejada sobre 'acampamento' - agindo ultrajante e afeminado. O tom de suas perguntas é surpreendentemente circunspecto em 1951, e diz: 'Visto que concordamos que acampar é uma expressão homossexual consciente, o que é então comportamento homossexual inconsciente [?]' E 'Como pode acampar se tornar uma expressão homossexual aceitável? 'Depois de deixar o grupo (e Hay) em 1953, Gernreich nunca reconheceu publicamente esta ou qualquer associação com os direitos dos homossexuais novamente, embora seu trabalho como designer continuasse a incorporar ideias de pensamento radical e expressão pessoal. Quando o maiô de topless de Gernreich apareceu pela primeira vez em 1964, o design era um Succès de Scandale, inspirando cerca de 20.000 artigos de imprensa em resposta. O design foi criado por sugestão de Susanne Kirtland, editora da Olhar revista, lendo os pronunciamentos de Gernreich sobre a mania iminente do "topless". Kirtland contatou o estilista em 1962 e pediu-lhe que fizesse um terno de topless, mas ele hesitou, temendo que isso arruinasse sua carreira. A resposta de Kirtland foi: "Ah, mas você precisa, eu já tive autorização da diretoria". Gernreich finalmente cedeu, motivado pelo medo de que seu concorrente, Emilio Pucci, fizesse um terno de topless primeiro. Embora o design não tenha sido um sucesso comercial (apenas 3.000 cópias do terno foram vendidas), esta peça única colocou Gernreich nos livros de história por sua natureza ousada e reveladora. Mas essa não era a declaração que o designer pretendia. Para Gernreich, o gesto tinha raízes em sua criação europeia. A vestimenta era progressiva e implicitamente feminista: se os homens podem fazer topless, por que as mulheres não podem? Em um ensaio para uma retrospectiva itinerante do trabalho do estilista, 'A moda vai sair da moda', a autora Elfriede Jelinek ressalta o valor do terno, explicando que Gernreich 'não o faz para enfatizar a nudez da metade superior do corpo da mulher . Em vez disso, ao expor parcialmente essa parte do corpo, ele a veste, mas de uma maneira diferente, e assim a recria. ”Apesar disso, a resposta da mídia americana foi maliciosa e, a partir de então, Gernreich tornou-se associado à 'excentricidade' e ' estilos malucos desse período revolucionário de meados dos anos 60, um clichê do qual nunca conseguiu escapar.

Fotos do curta-metragem ‘Basic Black’ de William Claxton, marido da musa de Gernreich Peggy Moffitt, sobre a moda de Gerneich de 1967.

Em 1967, no auge da fama, Gernreich fechou seu ateliê, contando O jornal New York Times que ele estava "exausto". Ele nunca mais montou uma coleção importante, mas continuou a oferecer previsões terríveis à imprensa. Em 1970, Vida A revista pediu a ele que fizesse uma previsão do futuro da moda, Gernreich arranjou para que um par de modelos aparecesse nus e totalmente barbeados, em um evento promocional. Mais tarde, ele explicou: "O que unissex significa é que estamos além da patologia e a moda acabou". A morte da moda tornou-se seu grande tema: "A moda sairá de moda", disse ele Forbes. Para outro entrevistador, ele disse: ‘Não tenho o objetivo de matar a moda. Já terminou. A palavra não tem significado. Representa todos os valores errados. Esnobismo, riqueza, poucos escolhidos. É anti-social. Ele se isola das massas. Hoje você não pode ser anti-social, então a moda acabou. Até a palavra se tornou um pouco embaraçosa. Roupas. Engrenagem. Estas são as palavras de hoje. 'Esses lados pouco ajudaram a carreira do designer e foram amplamente ignorados pela imprensa de moda.

Rudi Gernreich & # 8217s & # 8216Unisex Fashions & # 8217 que apareceu em Vida revista em 1970, como o ensaio de moda & # 8216Double Exposure & # 8217.

Dois anos após sua morte em 1985, Peggy Moffitt, sua musa e amiga, deu uma entrevista ao Fashion Institute of Technology que revela as limitações de sua abordagem ativista para o designer. Ela explica que, ‘Ele gostou da ideia de ser o profeta. É ótimo profetizar, mas então você diz: "Peggy, podemos ver a primeira peça?" & # 8230 Ele adorava estar nas manchetes. Mas ele não amava mais fazer essas roupas. " Quando examinada mais de perto, a carreira de Gernreich tem implicações profundas além de seu design "monokini". Ele era um ativista de coração, com declarações de design progressivas e controversas que muitas vezes eram mal interpretadas pela imprensa. O que a indústria queria eram as roupas "excêntricas" tão populares na época, mas o que Gernreich tinha era uma abundância de ideias. É interessante especular, cinquenta anos após esse gesto radical - e mal interpretado - de topless, se ele passou seus últimos anos desejando nunca ter feito aquele maiô.


Unissex

Moda para os anos 70 & # 8217s Rudi Gernreich Previsões de 1º de janeiro de 1970 Life Magazine

& # 8220Inverno ou verão, homem ou mulher, todos se vestirão da mesma maneira.

& # 8220Em clima frio e invernal, prevê Gernreich, “tanto os homens quanto as mulheres usarão collant reforçados com nervuras e botas à prova d'água. & # 8221

Muito antes das compras online, ele previu corretamente:

“Será impossível dirigir até as lojas por causa do tráfego, então todas as roupas serão encomendadas em um catálogo ou aparelho de TV. & # 8221

Antecipando a PETA, ele também estava bem ao lado do mar de sintéticos com que estaríamos nos afogando nesta década de Quiana consumida.

“E uma vez que os animais que agora fornecem lã, pele e couro serão tão raros que devem ser protegidos e tecer tecidos como o algodão será muito trabalhoso, a maioria das roupas será feita inteiramente de malhas sintéticas baratas e descartáveis.”

Moda para os anos 70 & # 8217s Rudi Gernreich Previsões de 1º de janeiro de 1970 Life Magazine

“As roupas não serão identificadas como masculinas ou femininas, diz Gernreich, & # 8221 prevendo corretamente a mania unissex & # 8230 talvez.

“Então, as mulheres vão usar calças e os homens vão usar saias alternadamente. E uma vez que não haverá nenhum escrúpulo em relação à nudez, as roupas transparentes só serão transparentes por razões de conforto. & # 8221

Talvez em um aceno de cabeça para seu maiô de topless que causou sensação na década de 1960 & # 8217, o designer previu:

“Se o tempo permitir, ambos os sexos ficarão com o peito nu, embora as mulheres usem pastéis simples de proteção. As joias existirão apenas como um utilitário, ou seja, para segurar algo no alto ou junto, como um cinto, ou para informações, como uma combinação de indicador de tempo de relógio de pulso, bússola e rádio. & # 8221

& # 8220A estética da moda vai evoluir o próprio corpo. Vamos treinar o corpo para crescer lindamente, em vez de cobri-lo para produzir beleza. & # 8221


Roupas de Rudi Gernreich apresentadas em A Queer History of Fashion

Estamos muito satisfeitos que duas peças de vestuário Rudi Gernreich de nossa coleção sejam apresentadas em Uma história queer da moda: Do armário à passarela no Museu da FIT. Aberto até 4 de janeiro de 2014, Uma história queer da moda explora as contribuições & quotsignificantes para a moda feitas por LGBTQ
(lésbica-gay-bissexual-transgênero-queer) indivíduos nos últimos 300
anos. & quot Incluindo aproximadamente 100 conjuntos que vão desde roupas masculinas do século 18 à alta moda do século 21, esta exposição homenageia as numerosas, e muitas vezes ocultas, contribuições de designers gays e lésbicas. Tem recebido uma mídia maravilhosa, então se você está em Nova York, não perca!

Rudi Gernreich (1922-1985) não saiu publicamente durante sua vida. Como muitos outros designers conhecidos, Gernreich manteve sua orientação sexual escondida do público. Na vida privada, entretanto, Gernreich se envolveu em importantes esforços para desestigmatizar a homossexualidade. Em 1950, Gernreich se envolveu romanticamente com Harry Hay. Hay estava formulando uma ideia para uma sociedade secreta de apoio aos gays e procurava homens com a mesma opinião para se juntarem ao seu grupo. Gernreich apoiou o plano radical de Hay & # 39 e, junto com um pequeno grupo de amigos, fundaram a Mattachine Society. O primeiro ramo da Sociedade foi baseado em Los Angeles, embora ramificações logo tenham surgido em outros centros urbanos. Com sua ênfase na redução do isolamento e na promoção de causas comuns entre os gays, a Mattachine Society foi um dos primeiros grupos pelos direitos dos homossexuais nos Estados Unidos.

Caftan
Rudi Gernreich
1970
Herança da propriedade Rudi Gernreich
G85.331.17

Este caftan (um dos dois cafetãs de Gernreich que emprestamos para Uma História Queer da Moda) é a expressão máxima da antipatia de Gernreich por modas que confinam o movimento. Como designer, Gernreich trabalhou para liberar o corpo. Seus sutiãs No-Bra, sutiãs sem forro que oferecem uma aparência natural, e o famoso monokini que mostra o seio, demonstram esse esforço. Embora muitos dos designs de Gernreich & # 39s enfatizassem corpos jovens, com este caftan Gernreich propôs um uniforme unissex para os idosos.

Criado para a Expo 1970, realizada em Osaka, Japão, este caftan de seda foi projetado para o máximo conforto. Em vez de enfatizar o corpo, foi projetado para abstrair o corpo. Nas palavras de Gernreich, "Se um corpo não pode mais ser acentuado, deve ser abstraído."

Como muitos dos projetos posteriores de Gernreich, esses caftãs eram intencionalmente unissex. Para completar o look unissex, Gernreich recomendou que homens e mulheres raspassem a cabeça para que seu gênero fosse menos reconhecível. O interesse do estilista em roupas unissex pode ser considerado outra expressão de seu interesse em vestir-se de libertação indumentária, independentemente do gênero, permitiria que homens e mulheres se expressassem mais plenamente, sem levar em conta as limitações sociais.

Veja ambos os nossos caftans Rudi Gernreich em Uma história queer da moda no Museu da FIT até 4 de janeiro de 2014. Espero que você tenha a chance de ver esta exposição! Se quiser, escreva para nós e diga o que você acha dos cafetãs unissex de Gernreich.

1 & quotModa para os & # 3970s. & Quot Vida (9 de janeiro de 1970), 118.


Uma breve história da moda unissex

Em março, a loja de departamentos Selfridges de Londres se renovou radicalmente, transformando três andares de seu empório na Oxford Street em áreas comerciais neutras em termos de gênero. Os manequins andróginos usavam roupas unissex de estilistas como Haider Ackermann, Ann Demeulemeester e Gareth Pugh, e o site da loja & # 8217s recebeu um redesenho similarmente assexuado, exibindo os mesmos produtos em modelos masculinos e femininos. Chamada de & # 8220Agênero & # 8221, a experiência de compra pop-up temporária & # 8212ou experimento & # 8212 finalmente provou ser mais bem-sucedida como ferramenta de marketing do que uma revolução no varejo, como alguns jornalistas de moda apontaram, as roupas de hoje & # 8217s & # 8220 são muito mesmo para cada sexo. & # 8221

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Mas nem sempre foi assim. Como Freud colocou: & # 8220Quando você encontra um ser humano, a primeira distinção que você faz é & # 8216 masculino ou feminino? & # 8217 e você está acostumado a fazer a distinção com certeza absoluta. & # 8221 Freud viveu até o século 20 século em vez do 19, ele pode ter tido bons motivos para hesitação. Em uma época em que as normas de gênero & # 8212 e muitas outras normas & # 8212 estavam sendo questionadas e desmontadas, as roupas unissex eram o uniforme escolhido pelos soldados nas guerras culturais.

Em seu novo livro Sexo e unissex: moda, feminismo e a revolução sexual, a professora Jo Paoletti da Universidade de Maryland revisita a tendência unissex, um pilar do feminismo de segunda onda cuja influência ainda ressoa hoje. Como conta Paoletti, as roupas unissex foram um corretivo baby-boomer para os rígidos estereótipos de gênero dos anos 1950, em si uma reação aos novos papéis desconcertantes impostos a homens e mulheres pela Segunda Guerra Mundial. O termo & # 8220gênero & # 8221 começou a ser usado para descrever os aspectos sociais e culturais do sexo biológico na década de 1950 & # 8212 um reconhecimento tácito de que o sexo de alguém e o gênero de & # 8217 podem não corresponder perfeitamente. As roupas unissex dos anos 1960 e 70 aspiravam & # 8220 a desfocar ou cruzar as linhas de gênero & # 8221 em última análise, no entanto, entregou & # 8220 uniformidade com uma inclinação masculina & # 8221 e um breve flerte da moda & # 8217s com a neutralidade de gênero levou a um & # 8220 chicote estilístico & # 8221 de roupas de gênero mais obviamente para mulheres e crianças a partir da década de 1980.

No que diz respeito à indústria da moda americana, o movimento unissex veio e em grande parte desapareceu em um ano: 1968. A tendência começou nas passarelas de Paris, onde designers como Pierre Cardin, Andre Courreges e Paco Rabanne criaram um espaço igualitário Idade & # 8221 de silhuetas elegantes e simples, padrões gráficos e novos tecidos sintéticos sem associações históricas de gênero. Enquanto as mulheres queimavam seus sutiãs (simbolicamente, se não literalmente), as lojas de departamentos dos EUA criavam seções especiais para a moda unissex, embora a maioria delas tivesse fechado em 1969. Mas seu impacto poderia ser sentido por uma década depois em & # 8220his-n-dela & # 8221 roupas, promovidas em anúncios bonitos, propagandas de catálogos e padrões de costura. & # 8220A diferença entre unissex de vanguarda e a versão posterior, & # 8221 Paoletti argumenta, & # 8220 é a distinção entre designs que desafiam os limites, muitas vezes modelados por modelos de aparência andrógina, e uma variação menos ameaçadora, usada por atraentes casais heterossexuais . & # 8221

As crianças carregavam o peso da mania unissex: calças para meninas, cabelo comprido para meninos e ponchos para todos. & # 8220Baby boomers e Generation Xers tendem a ter memórias muito diferentes da era unissex, & # 8221 Paoletti observa, e seu livro permite que os leitores admirem as intenções progressivas por trás da tendência enquanto se encolhem com o resultado. Embora os pais temessem que a aplicação de estereótipos rígidos de gênero pudesse ser prejudicial para as crianças & # 8212 temores alimentados por evidências científicas emergentes de que os papéis de gênero foram aprendidos e maleáveis ​​em uma idade jovem & # 8212 o constrangimento de ser confundido com um membro do sexo oposto deixou cicatrizes psicológicas duradouras em muitos de sua prole. Crianças pequenas usavam roupas de gênero neutro (e brincavam com brinquedos de gênero neutro) por décadas antes que & # 8220unisex & # 8221 se tornasse uma palavra da moda, mas a criação agressiva de & # 8220não gênero & # 8221 dos anos 1970 levou a neutralidade a um novo nível livros infantis e programas de TV faziam questão de mostrar meninos brincando com bonecas e mulheres mexendo em carros. Foi apenas na década de 1980 que as lições de autoatualização do livro seminal infantil & # 8217s (e LP narrado por celebridades) Livre para ser & # 8230 você e eu sucumbiu ao Complexo Industrial da Princesa, tendência que agora começa a se corrigir. (Uma edição do 35º aniversário de Livre para ser & # 8230 você e eu foi lançado em 2008.)

Embora as roupas unissex visassem minimizar as diferenças de gênero, geralmente tinham o efeito oposto.

Embora as roupas unissex visassem minimizar as diferenças de gênero, geralmente tinham o efeito oposto. Como escreve Paoletti, & # 8220 parte do apelo da moda adulta unissex era o contraste sexy entre quem a usava e as roupas, que na verdade chamavam a atenção para o corpo masculino ou feminino. & # 8221 Veja o estilista de figurinos Rudi Gernreich & # 8212inventor do monokini e a tanga unissex & # 8212 criada para a série de televisão de 1975-77 Espaço: 1999. Gernreich imaginou 1999 como uma utopia de gênero neutro de macacões, gola alta e túnicas. Embora tecnicamente unissex, esses trajes justos tornaram o sexo do usuário & # 8217s gritantemente óbvio e mantiveram marcadores de gênero tradicionais, como sutiãs, maquiagem e joias para mulheres.

O movimento unissex pode ter tornado as roupas femininas mais masculinas, mas nunca as tornou menos femininas, além disso, as tentativas de feminizar a aparência dos homens acabaram tendo vida particularmente curta ”, observa Paoletti. (Mesmo hoje, são principalmente as mulheres que compram roupas unissex, não os homens.) Enquanto alguns homens tentaram recuperar a extravagância que havia desaparecido com a Revolução Francesa, para muitos essa chamada Revolução do Pavão & # 8220 levantou o espectro da decadência e homossexualidade, um medo reforçado pelo surgimento do movimento de libertação gay. & # 8221 A ironia, Paoletti aponta, era que & # 8220 naquela época os verdadeiros homens homossexuais tendiam a ser propositalmente invisíveis & # 8230 Fazer o contrário era arriscar um & # 8217s carreira ou mesmo ser preso. & # 8221 O novo interesse popular e científico na bissexualidade foi verdadeiramente libertador para os homens homossexuais, oferecendo-lhes uma alternativa culturalmente aceitável para o armário. Era libertador para a moda, da mesma forma, se todos fossem um pouco de cada sexo, as roupas não precisavam proclamar um ou outro tão alto.

Assim, a novidade de trajes combinando & # 8220his-n-dela & # 8221 e do futurismo para todo mundo em macacões rapidamente se extinguiu em favor da androginia mais sexy (que Paoletti define como roupas que combinam elementos masculinos e femininos, em vez de evitar marcadores de gênero em conjunto). Em 1966, Yves Saint Laurent apresentou le fumar, um smoking para mulheres nos anos seguintes, ele reinterpretaria a silhueta masculina em listras de gângster e safari cáqui. Halston fez seu nome com o onipresente vestido de camisa Ultrasuede & # 8212 um toque moderno e feminino em uma camisa masculina & # 8217s. Como a atual exposição do Museu FIT Yves Saint Laurent e Halston: Fashioning the Seventies Para ilustrar, os estilistas não estavam apenas vestindo as mulheres com roupas masculinas, estavam vestindo-as como eles próprios, em peças clássicas que refletiam seus próprios guarda-roupas sutilmente andróginos. O catálogo da exposição argumenta que esse & # 8220 estilo funcional e escorregadio & # 8221 associado ao jet set internacional era igualmente atraente para as mulheres jovens que trabalham: não apenas calças, mas casacos, camisas sociais e blazers tornaram-se itens básicos do guarda-roupa feminino.

Os homens também experimentaram a androginia. Excepcionalmente, designers de moda feminina (incluindo Pierre Cardin e Bill Blass) começaram a produzir linhas de roupas masculinas. A jaqueta Nehru com gola mandarim e botões na frente (o nome ocidental para a roupa tradicional indiana, em homenagem ao primeiro primeiro-ministro da Índia) era uma assinatura de Cardin. Junto com túnicas, coletes, jaquetas esportivas e peles, a jaqueta Nehru oferecia aos homens uma alternativa ao proverbial terno de flanela cinza Nehru. Golas, ascotes, gola alta e lenços tornavam as gravatas obsoletas, pelo menos temporariamente. Hoje, as mulheres ainda usam calças para ir ao escritório, mas os homens voltaram a usar ternos e gravatas.

Paoletti traça o fim da era unissex em meados da década de 1970. Em 1974, Diane von Furstenberg apresentou seu vestido wrap, uma peça que combinava feminilidade e funcionalidade. Com seu comprimento recatado, saia com fenda e profundo decote em V, era simultaneamente modesto e sexy, podendo ir do escritório à discoteca. O vestido envolvente afastou as mulheres de terninhos, fazendo com que von Furstenberg aparecesse na capa da Newsweek em 1976 sob o título & # 8220Rags & # 38 Riches. & # 8221

O movimento unissex pode ter tornado as roupas femininas mais masculinas, mas nunca as tornou menos femininas.

Desde a década de 1990, no entanto, a moda está borrando as linhas de gênero mais uma vez. Um recente Revista nova iorque A história traçou a androginia moderna até o grunge: mulheres vestiam camisas de lenhador de flanela e botas de combate, enquanto Kurt Cobain posava em vestidos de baile e vestidos caseiros. (O gosto de Cobain & # 8217 por cross-dress off-the-cuff ficou evidente nos mais recentes desfiles masculinos de Saint Laurent e Gucci.) Ao mesmo tempo, a moda para casais sósias (conhecida como Keo-Peul-Look) apareceu pela primeira vez na Coreia do Sul. . Esta versão moderna de roupas & # 8220his-n-dela & # 8221 pegou poderosamente em um país onde demonstrações públicas de afeto (físico) são desaprovadas. Casais coreanos são andróginos por necessidade, vestindo jeans skinny, tênis, suéteres e moletons, roupas unissex são muito mais acessíveis e socialmente aceitáveis ​​hoje do que eram na década de 1960. Mas essa coordenação cuidadosa não é apenas um show externo que os praticantes hardcore combinam com suas roupas íntimas. Assim, a publicidade definitiva do relacionamento se tornou a intimidade definitiva do relacionamento, e a roupa íntima unissex agora é uma coisa.

Na verdade, tudo unissex parece estar de volta com uma vingança Rad Hourani até mostrou um unissex alta costura coleção para a primavera / verão de 2015. Personnel of New York divide suas ofertas online em Men, Women, and Everyone rótulos como 69, Kowtow e The Kooples encorajam a troca de sexo. Mesmo a Era Espacial é nova novamente. O show de alta costura de outono da Christian Dior & # 8217s incluiu macacões de astronautas, enquanto a Gucci mostrou mudanças mod e botas de couro envernizado. O que devemos fazer com essa confusão de gênero & # 8212 ou, talvez, com essa recusa inflexível de ser confundido com o gênero? & # 8220As modas dos anos 1960 e 1970 articularam muitas questões sobre sexo e gênero, mas no final não forneceram respostas finais, & # 8221 Paoletti conclui. Essas questões foram muito mais profundas do que Freud & # 8217s & # 8220 masculino ou feminino? & # 8221 Claramente, ainda estamos lutando para resolvê-las, basta perguntar abertamente à adolescente gay da Louisiana Claudetteia Love, que quase perdeu seu baile de formatura porque a escola não permitiu usar um smoking. Psicologicamente, ainda há uma grande lacuna entre uma vestimenta masculina adaptada para o corpo de uma mulher e uma vestimenta masculina. Cada vez mais, no entanto, homens e mulheres estão usando as mesmas roupas, compradas nas mesmas lojas, em um cenário de varejo tão rico, variado e às vezes desconcertante quanto o próprio gênero. & # 160


9 tendências da moda fluida de gênero do passado

De Katharine Hepburn vestindo seus ternos a modelos masculinos marchando em laços de boceta na passarela da Gucci, as tendências da moda fluida de gênero não são exatamente uma coisa nova. A moda e as pessoas que a usam já borraram as linhas de gênero muitas vezes antes.

Dito isso, existem certas tendências fluidas de gênero na história que devemos considerar seriamente em trazer de volta para nossos armários - não apenas pela estética, mas para homenagear as liberdades que ajudaram a introduzir na cultura. Ao longo das décadas, as roupas inspiraram as pessoas a terem a mente mais aberta e a pensar no futuro, e a fluidez de gênero nas roupas é apenas um aspecto disso.

Mas que looks devemos tirar do passado e reimaginar para 2016? Muitos ainda estão em circulação, mas vamos voltar na história da moda e ver todas as possibilidades. Abaixo estão nove tendências de moda fluidas de gênero do passado e por que ainda são fantásticas hoje.

1. O visual do Teddy Boy e da garota

Durante a década de 1950, Londres experimentou uma explosão de Teddy Boy, onde os jovens preferiram silhuetas de inspiração eduardiana, como ternos sob medida e penteados penteados penteados para trás. De acordo com Vice, & quotYouths começou a aparecer nas ruas britânicas em 1951 em um estilo de vestido parcialmente inspirado no dândi eduardiano. Uma rejeição da monotonia dos tons de cinza do pós-guerra - ternos demob e coisas do gênero - era um estilo orgulhosamente excêntrico e que não fazia diferença para a ordem estabelecida. ”O uniforme? Uma jaqueta drapeada que lembrava um terno zoot, com calças sob medida, brogues e um topete engraxado nas costas. As garotas variavam nesse visual, algemando as calças e às vezes adicionando lenços ao pescoço, mas o resultado final era o mesmo: um dândi frívolo que estava cansado de economizar.

2. O smoking feminino

Yves Saint Laurent fez o primeiro smoking feminino em 1966, e a silhueta clássica masculina deu poder às mulheres que saíram de seus vestidos de noite para as abas dos casacos. De acordo com o Business Insider, a mulher que o usava era & quotirreverente & quot e exigia: & quotSe os homens podem usar isso, por que eu não posso? & Quot. estilo logo em seguida. Claro, uma celebridade estranha usa uma versão da roupa elegante de vez em quando no tapete vermelho, mas por que não optar por abotoaduras com a mesma frequência que vestidos de lantejoulas quando se trata de casos elegantes?

3. Vestidos boneca

Nos anos 90, Kurt Cobain tinha uma queda por subir ao palco em qualquer coisa, desde o guarda-roupa de Courtney Love, incluindo vestidos de boneca e vestidos de formatura em formato de cupcake. Quando ele foi questionado sobre por que ele tinha uma inclinação para a silhueta de vestido tradicionalmente feminino, sua resposta foi um encolher de ombros por que-isso-importa. De acordo com Revista nova iorque, & quotQuando Melody Maker perguntou a ele, em 1992, por que ele escolheu usar um vestido babydoll branco no vídeo de 'In Bloom', ele contestou. 'Eu realmente não sei por quê. Gosto de usar vestidos porque são confortáveis. Se eu pudesse usar um lençol, eu o faria. Não sei o que dizer ... se eu dissesse que fazemos isso para ser subversivos, seria um monte de merda, porque homens em bandas usando vestidos não são mais polêmicos. '

Considerando os vestidos de gola da princesa Diana de Mick Jagger e os vestidos de seda de David Bowie, Cobain pode ter encontrado algo. Ao abraçar algo tão essencialmente "feminino" como um vestido, os homens têm a opção de romper com seu tropo de durão.

4. Cortar Tops

O estilo unissex começou com o designer Rudi Gernreich, que acreditava que homens e mulheres podiam usar exatamente os mesmos estilos, sem quaisquer ajustes influenciados pelo gênero. Seja usando minissaias, regatas curtas ou conjuntos de biquínis, ele acreditava que não deveria haver uma diferença de estilo de acordo com o gênero.

Embora este seja o favorito dos fãs para muitas mulheres em todos os lugares, os homens ainda parecem ter uma reação bastante contrária. Por exemplo, quando Kid Cudi subiu ao palco do Coachella em 2014 em um top de laranja, houve tanto recuo quanto aprovação, como Complex relatou com um resumo das reações no Twitter.

Quanto mais virmos caras vestidos com safras que mostram o ventre, menos escandalizante será, e menos propensos estaremos a questionar a afiliação sexual e de gênero de todos quando se trata de algo tão insignificante quanto roupas.

5. Macacões

Esta peça dos anos 60 pode fazer com que pareça que você é um casal que acabou de escapar da prisão, mas o ideia da tendência é o que buscamos e não a silhueta exata.

A peça, na verdade, tem um começo emocionante e fluido de gênero, variando de estrelas do rock masculinas, rainhas do show feminino e futuros habitantes de espaçonaves. De acordo com Los Angeles Times, & quotO macacão entrou na passarela na década de 1960, quando André Courrèges mostrou seus macacões da Era Espacial em Paris. Logo, Cher, Abba e Elvis adaptaram o visual para seus guarda-roupas de palco, enquanto Diana Ross, Liza Minnelli e Bianca Jagger dançavam no Studio 54 nos estilos drapeados e soltos de uma peça única de Halston. & Quot

Dar ao macacão um giro milenar poderia torná-lo super chique para todos os sexos, onde abandonamos o tom laranja queimado e as golas Studio 64 e os substituímos por calças cônicas e linhas minimalistas. Na verdade, segundo a Style Blazer, o macacão já poderia ter iniciado sua campanha de volta de qualquer maneira, já aparecendo no guarda-roupa masculino.

6. Ponchos

Na década de 1960, tanto homens quanto mulheres arrasaram com os ponchos, seguindo a tendência hippie de pegar emprestado de diferentes culturas. Se você jogou a sua por cima da calça ou da saia, não importava - o aconchego viria de qualquer maneira. Slate relatou: “O poncho, é claro, dificilmente é um fenômeno novo. No final dos anos 60 e início dos anos 70, um poncho Clint Eastwood, arrogante através de spaghetti westerns, elevou o visual que Frank Zappa cantou sobre questões de autenticidade do poncho em "Camarillo Brillo" (& quotIsso é um poncho de verdade. Quero dizer, é um poncho mexicano ou é um poncho da Sears? & quot) e Susan Dey (como Laurie Partridge) popularizaram o poncho entre adolescentes desesperadas para imitar sua beleza descontraída e sonolenta. & quot Embora a tendência funcionasse facilmente em todos os gêneros, o & quothis facilmente trocável e os dela & quot ponchos tinham um pouco mais de contexto para eles além de ser apenas um cobertor que você poderia usar.

De acordo com o The Smithsonian, “À medida que o movimento feminista ganhava força e as mulheres lutavam por direitos iguais, suas roupas se tornavam mais andróginas. Os homens, por sua vez, descartaram os ternos de flanela cinza - e a versão restritiva de masculinidade que os acompanhava - ao se apropriar das vestimentas femininas. & Quot Jo Paoletti, autora de Sexo e unissex: moda, feminismo e a revolução sexual, argumentou que & quotAmbos os gêneros estavam questionando a ideia de gênero como algo fixo & quot. Então, se você quiser usá-lo como uma postura para o feminismo e um desafio direto às normas de gênero, ou apenas porque você acha que é muito aconchegante, vamos trazer este de volta do passado.

7. The Beatnik Look

Na década de 1950, havia uma subcultura de jovens desiludidos que queria rejeitar a prosperidade que o pós-guerra trouxe e, em vez disso, enterrar-se na filosofia e na poesia. Enter the beatniks, a group of people that favored simple black turtlenecks and cigarette pants, with berets, leotards, and reading glasses thrown in for good measure. AnOther Magazine explained the subgroup, "The post-war boom which flowed over the USA in the late 1950s brought with it more than simply a greater quality of life.

With money came materialism — a plague that members of the Beat movement was determined to withstand." Because of that, their style was bare minimum and simple, where both sexes opted for lots of black and slim silhouettes that let them blend in. "While in the mainstream, adolescents were donning billowing hourglass skirts in an echo of Christian Dior’s New Look, beatniks opted for black Why should we bring this back? Simply put, a minimalist, all-black outfit arguably never goes out of style.

8. Berets

While Gucci is leading the way in bringingneed a source for this vintage silhouettes into men's closets, but the simple hat is rife with history, from being a peasant's hat in the 1550s to a political revolutionary staple. It made a strong comeback in the 20th century, symbolizing different things in different decades, from being a metropolitan staple for all genders in the '20s to a revolutionary symbol in the '60s and '70s for the likes of Che Guevara and The Black Panthers, worn by both men and women. Bring the beret back to your hat rotation: Whether you choose to channel Parisians, beatniks, revolutionaries, or 16th century peasant is up to you.

9. Three-Piece Suits

While the look has long been wildly popular for decades when it came to men, three-piece suits also became popular in the '30s for women. Bold, opinionated female movie stars like Marlene Dietrich and Dorothy Mackaill loved them, buttoning themselves into vests and throwing ties around their necks during a time where women were ostracized for simply wearing pants.

Vice pointed out that in 1939, Vogue fashion editor Elizabeth Penrose spoke out against working women that would wear their pants outside of their workplace, calling them "slackers in slacks." With more than a handful of decades between us and the '30s, the three-piece suit would now look incredibly dapper on for, say, a Tuesday lunch meeting — no matter what gender you identify with.

Next time you go shopping, try to break away from your usual preferences and try out some of these time-transcending gender fluid suggestions. Who knows, you just might love them as much as your fashion forepeople did.

Images: Plaid Stallions (1) Yves Saint Laurent (1) The Face (1) Rollins-Joffe Productions (1) Super Simple (1)


Rudi Gernreich - History

Rudi Gernreich was born in 1922 in Vienna to an intellectual Jewish family. His father was a hosiery manufacturer. His aunt owned a fashion shop that sold the best Parisian knockoffs in the country. During the 1930s, his family fled from the Nazis, immigrating to Los Angeles. He became an American citizen in 1943. In L.A., he worked at a mortuary and in the publicity department at RKO Studios he also studied art at Los Angeles College. When he discovered dance after joining a West Hollywood troupe, it changed his life. He took particular note of the dance uniforms for future inspiration.

By 1950, he decided dance wasn’t paying the bills, so he began pursuing a fashion career. He relocated to New York City to work for George Camel, a coat and suit company. In 1951, he met Walter Bass, who believed in the Austrian’s talent and partnered with him to start a fashion business. Gernreich’s deconstructed sportswear was snapped up on both coasts, making him the designer to watch. He kept pushing the line with every collection. He designed a bra-free bathing suit (1952) and a knitted tube dress (1953) that hugged every curve. His main focus by the late 1950s, however, was swimwear—wool knitted and elasticized. During this time, he also created a menswear line (1956), a women’s footwear collection (1957), and hosiery/stockings (1959).

In 1960, Gernreich broke away from Bass to form his own company, G.R. Designs. He continued to push boundaries with clothing that appealed to women of all ages. His hemlines were cut above the knee—scandalous for the time. Nothing could prepare the world for his next big move—the creation of the topless swimsuit called a monokini. A one-piece suit with a strap between the two breasts, putting them prominently on display, shocked the still prudish public in 1964. Stores that carried the bathing suit were picketed and even received bomb threats. Over 3,000 suits were sold, but only one person in the States was ever spotted wearing it, and she was quickly arrested. If he hadn't been famous before, he was now.

For the next few years, the radical Gernreich clothing was a hot commodity, particularly with teens and 20-30 somethings. He continued to design clothing that moved by using malleable materials. He also used diametrically opposed colors (like lime and purple) and bold graphics in his designs. Some of his wackier concepts included jackets with one round collar and one-pointed collar white satin tuxedos, and military safari clothing complete with dog tags. At his peak, he opened a showroom in Manhattan, exhibiting his knits via Harmon Knitwear and more of his avant-garde designs.

In the early 1970s, he also concocted the concept of "unisex" clothing—that which can be worn by men or women. Some of his biggest unisex designs were knit bell-bottom trousers, floor-length kaftans, Y-front women's underwear, and midriff tops. Other designs that rocked the fashion world were his thong bathing suit that showed off the buttocks, chiffon T-shirt dresses, see-through tops, and vinyl mini-dresses.

From 1970-1971, he designed furnishings for Fortress and Knoll International, and in 1975 he created men's style underwear for Lily of France. Kitchen and bathroom accessories, rugs, and bedding were added to his output, as were cosmetics in collaboration with Redken. Before leaving fashion, he went out with a bang in 1982 by designing the "pubkini," which revealed the wearer's pubic hair. In 1985, Gernreich died of lung cancer in 1985 at age 62.


A queer history of fashion

Fashion is queer and we know it. So why don’t we talk about it? From Christian Dior to Alexander McQueen, Yves Saint Laurent and Jil Sander many of the world’s greatest designers have identified as LGBTQ. And for centuries, fashion has been an instrument of expression and experimentation for this community. The sex-charged creations of designers like Walter Van Beirendonck, and the androgynous looks flooding fashion week’s runways, prove that sexuality and the way we style ourselves are inextricably entwined. Yet, until now, there had never been an in-depth study on the subject.

‘A Queer History of Fashion: From The Closet To The Catwalk’, explores how gender and sexuality have been inspiring and informing fashion for over 300 years. Edited by Valerie Steele, director and chief curator of The Museum at the Fashion Institute of Technology, New York, the book accompanies an MFIT’s exhibition of the same name. It features contributions by some of the world’s most acclaimed scholars of gay history and fashion.

This complex subject is Steele’s thing: she has previously penned books on fashion and eroticism, fetish and gothic style – to name a few. For Steele, fashion is chained to identity, to which sexuality is heart and soul.

Dazed Digital: When you think about how many big name designers are gay it’s actually quite mind-blowing.

Valerie Steele: That was one of the main reasons why Fred [Dennis, co-curator] and I wanted to do this as a subject. It’s like an open secret – everybody knows this but nobody ever really talks about it.

DD: Why has the LGBTQ community always shared such close ties with fashion?

Valerie Steele: It’s complicated because it goes way back further than we’d thought. It involves the whole history of oppression and secrecy surrounding gay sexuality, which was illegal for many years and regarded as a mental illness. So I think gays and lesbians had to be hyper aware of how to read and analyse clothes so as to dress in a way that would allow them to communicate with other people but not to be recognised by a homophobic society. I think another aspect is that fashion is one of the so-called ‘artistic’ professions. And gays have been involved in a lot of those. Once gay people started to work in the fashion industry it started the beginnings of a more welcoming setting for other gays to enter into.

DD: When was this happening?

Valerie Steele: Certainly as early as the 1920’s but probably sooner than that. Gays were already interested in fashion in the 18th and 19th centuries, though we don’t have the names of explicit couturiers. Some of our sources talked about the desire to express oneself in a way other than verbally and the desire to create an alternative world of beauty.

DD: Is there a gay aesthetic?

Valerie Steele: Not just one. Each individual designer has his or her personal style and that’s also tied in with the style of a particular period. So you can see both idealising trends and also transgressive trends in gay design. You can see idealised feminine beauty in the work of say, Dior. But then if you go back a couple of decades to the thirties and the work of somebody like Mainbocher it’s a very different aesthetic.

Butch Chanel, Wigstock, NYC, 1992 Photograph by Michael James O’Brien, c.2013

DD: Marc Jacobs once said, “I don’t believe my sexuality has any bearing on how I design clothes.” Pensamentos?

Valerie Steele: I think that every component of a person’s individuality does: their age, their sexuality, where they’re from it doesn’t determine it but it influences it. He might be right, speaking personally. But I think that collectively over time it would be highly likely to have an influence.

DD: During this fashion week and for some time we’ve seen a lot of experimentation with androgyny and a neutral space between male and female. Does the LGBTQ influence have something to do with this?

Valerie Steele: Yes I think so. It’s not the sole cause, but historically you look back and you see that from the 19th century on and even earlier many lesbians were attracted to men’s tailored suits and there was the whole concept of whether LGBTQ people were like a third sex, in-between. Somebody like Rudi Gernreich felt that unisex and androgynous clothes might provide a new space for freedom for both men and women.

Dazed Digital: Is there the potential for a third sex in fashion?

Valerie Steele: Well, the bodies are different so a perfect androgyny would be unlikely. And then of course people do want to play with the idea of secondary sexual characteristics and gender as a theme. But I think it does indicate a growing sense of freedom and possibility that people of all sexes, all genders and all ages are able to find a kind of fashion that expresses who they are.

Dazed Digital: Why do we hear so much about gay designers but not so much about lesbian designers?

Valerie Steele: I think there have been more lesbian and bisexual contributions to fashion than we have known about. It’s been much more discreet – for whatever reason women have decided to be more under the radar about their sexuality. Somebody like Madeleine Vionnet, arguably the greatest couturier of the 20th century, was probably bisexual. But she was very discreet about that until in old age when she gave a couple of interviews where she talked about her attraction to beautiful women and so on. Even today it’s relatively rare for bi and lesbian women to be know even within the fashion community let alone within the world at large. It may just be that it’s tough enough to be a woman without having to deal with other people’s prejudice.


Uma história da roupa de banho feminina

Do século XVIII até os dias atuais, os trajes de banho femininos passaram por uma transformação incomparável. As mudanças nas roupas de banho femininas ao longo da história refletiram fatores sociológicos e tecnológicos, portanto, a vestimenta atua como um barômetro do tempo.

As roupas de banho são vagamente definidas como uma categoria de vestimenta freqüentemente usada durante a participação em atividades aquáticas, como natação ou banho. Espera-se que os trajes de banho atendam a diversos requisitos. Para nadadores competitivos, uma vestimenta aerodinâmica e justa que reduz a fricção e o arrasto na água é a preferida para aumentar a propulsão e a flutuabilidade. Para uso recreativo, a roupa de banho precisa estar na moda, ao mesmo tempo que mantém sua funcionalidade, por exemplo, protegendo a modéstia do usuário e resistindo aos efeitos de elementos como água e luz solar. Explorar a história da moda praia feminina, traçando como ela evoluiu ao longo do tempo e entre os continentes, não só dá uma visão das tendências da moda e avanços tecnológicos em materiais e design, mas também uma exploração da liberação feminina.

Século 18

No século XVIII, o banho de mar tornou-se uma atividade recreativa popular. Acreditava-se que o banho de mar trazia benefícios consideráveis ​​à saúde, portanto, era incentivado tanto para mulheres quanto para homens (Kidwell). No entanto, mergulhar completamente foi desencorajado. Isso foi considerado particularmente importante para as mulheres, pois a atividade na água não era considerada suficientemente feminina. Para o banho, as mulheres usavam batas soltas, abertas, parecidas com a camisa (Kidwell). Essas batas de banho eram mais confortáveis ​​para usar na água, principalmente quando comparadas às roupas de dia mais restritivas.

A bata de banho da figura 1 é de 1767 e pertenceu a Martha Washington, esposa do então comandante do Exército Continental e, posteriormente, o primeiro presidente dos Estados Unidos, George Washington. O vestido xadrez azul e branco é feito de linho e está em um estilo de combinação não ajustado. Pequenos pesos de chumbo são costurados em cada quarto do vestido, logo acima da bainha. Isso era para garantir que o vestido não flutuasse na água, ajudando as mulheres a manter seu recato. É sabido que Martha Washington viajou nos verões de 1767 e 1769 para as famosas fontes minerais em Berkeley Springs, West Virginia, para absorver os aparentes benefícios à saúde.

Fig. 1 - Fabricante desconhecido (americano). Bata de banho, ca. 1767-1769. Linho, chumbo. Mount Vernon: Mount Vernon de George Washington, W-580. Presente da Sra. George R. Goldsborough, vice-regente de Maryland em 1894. Fonte: Mount Vernon de George Washington

Século 19

No século 19, a popularidade das atividades recreativas aquáticas superou o desejo de tomar banho para obter benefícios à saúde. Com isso, as camisolas largas tornaram-se cada vez mais justas e complexas, reproduzindo as silhuetas da moda feminina.

A prioridade número um para as mulheres que participavam de atividades baseadas na água era manter seu recato. Embora o banho para benefícios à saúde tenha saído de moda, as mulheres ainda tendiam a tomar banho ou remar na água. Isso porque exercícios vigorosos na água não eram considerados femininos. A roupa de banho feminina deve refletir essa noção de se manter adequada, conforme definido pela sociedade contemporânea. Os trajes de banho consistiam em um vestido de banho, gavetas e meias, muitas vezes feitas de lã ou algodão. Esses tecidos ficavam pesados ​​quando molhados e dificilmente eram adequados para atividades vigorosas. Nesse caso, pode-se dizer que os trajes de banho femininos, que proibiam a facilidade de movimento na água, refletiam e mantinham as restrições sociais e físicas das mulheres na sociedade patriarcal do século XIX.

Fig. 2 - William Heath (britânico, 1794-1840). Sereias em Brighton, 1825-1830. Gravura. Londres: The British Museum, 1868.0808.9134. Adquirido de Edward Hawkins (propriedade de). Fonte: Museu Britânico

Fig. 3 - Designer desconhecido (americano). Roupa de banho, 1870s. Lã. Nova York: Metropolitan Museum of Art, 1979.346.18a, b. Gift of The New York Historical Society, 1979. Fonte: The Met

Durante o período vitoriano, conhecido por seus rígidos valores morais, as mulheres frequentemente utilizavam as máquinas de banho, conforme ilustrado na figura 2, ao entrar e sair do mar. As máquinas de banho eram pequenas casas sobre rodas que eram puxadas para dentro e para fora das águas mais profundas por cavalos. Eles forneceram às mulheres um lugar para se trocarem em privacidade antes de seguirem diretamente para o mar.

Na década de 1880, as mulheres continuaram a usar vestidos de banho, como se vê nas figuras 3 e 4. Essas roupas tinham gola alta, mangas compridas e saias na altura dos joelhos. Tecidos de linho e lã ainda eram usados. As mulheres costumavam usar cintos na cintura para reproduzir a silhueta popular da época. Por baixo do traje de banho, as mulheres usavam calças tipo bloomer para manter a modéstia.

Uma roupa de banho feminina alternativa, popularizada no final da era vitoriana, foi o terno Princess (Kennedy 23). Estas eram roupas de uma peça onde a blusa era presa às calças. Por cima, as mulheres usavam uma saia até o meio da panturrilha, o que desviou a atenção da figura do usuário. As roupas tendiam a ser de cores escuras, o que significava que os espectadores não sabiam dizer se a vestimenta estava molhada. Os trajes não eram os mais práticos, restringindo os movimentos dos braços dos usuários e pesando-os na água.

O terno da princesa foi um catalisador para as mudanças consideráveis ​​nas roupas de banho femininas que estavam por vir. Mais obviamente, o terno Princesa foi o início do maiô de uma peça para as mulheres (Fig. 5). As mudanças começaram a acontecer rapidamente à medida que as atividades das mulheres na água começaram a ser mais socialmente aceitáveis. Em primeiro lugar, na década de 1890, as calças do terno Princess foram encurtadas para que não pudessem ser vistas sob a saia. O material que serviu para criar um terno Princess passou da flanela, que ficava pesada quando molhada, para a sarja e outros tecidos tricotados (Kidwell).

Fig. 4 - Artist unknown. Traje de banho, de The Delineator, Julho de 1884. Washington D.C .: The Smithsonian Institution, foto 58466. Fonte: Alamy

Fig. 5 - Fabricante desconhecido (americano). Roupa de banho, 1890-95. Lã, algodão. Nova York: The Metropolitan Museum of Art, 1975.227.6. Gift of Theodore Fischer Ells, 1975. Fonte: The Met

1900-1945

Durante o século XX, os trajes de banho femininos passaram por transformações significativas como resultado dos avanços materiais e das tendências da moda cada vez mais liberais.

No início do século XIX, a natação surgiu como um esporte competitivo. No entanto, sua popularidade não foi solidificada até sua primeira aparição nos Jogos Olímpicos em 1896. As mulheres foram autorizadas a competir na natação pela primeira vez nos Jogos Olímpicos de 1912. Annette Kellerman (Fig. 6), uma nadadora da Austrália, pode ser creditada por mudar as atitudes sociais em relação à aceitação da participação feminina na natação e iniciar a modernização da roupa de banho feminina. Kellerman foi apelidada de “a sereia australiana” por causa de sua capacidade de natação. Ela era conhecida por nadar no Canal da Mancha e por suas atuações em filmes de Hollywood (Schmidt e Tay).

Em 1905, Annette Kellerman foi convidada a se apresentar para a Família Real Britânica, porém seu maiô foi proibido por ser justo e revelava a metade inferior de suas pernas. Kellerman se recusou a competir com uma roupa inconveniente e mal ajustada que atendesse aos padrões de modéstia, então ela costurou meias pretas em seu maiô, como visto na figura 6. Kellerman encontrou problemas novamente quando ela competiu em Boston. Seu maiô foi considerado de exposição indecente, no entanto, isso foi rejeitado em seu favor, pois o juiz concordou que maiôs pesados ​​e mal ajustados eram roupas impraticáveis ​​para nadar. Este incidente foi amplamente divulgado na mídia e, embora a ação de Kellerman pudesse ter um efeito libertador sobre os trajes de banho femininos, infelizmente levou a uma repressão à falta de modéstia feminina em algumas partes do mundo, com a polícia trabalhando para impor políticas rígidas de conduta no vestuário.

Fig. 6 - George Grantham Bain (americano, 1865-1944). Miss Annette Kellerman, ca. 1905. Negativo de vidro. Washington D.C .: Biblioteca do Congresso, LC-B2- 738-5 [P&P]. Fonte: LOC

Fig. 7 - Jantzen (1910-). Jantzen 1910-2010, 2010. Fonte: Lingerie Talk

Na década de 1910, a Jantzen, originalmente conhecida como Portland Knitting Company, era a principal produtora de maiôs (Fig. 7). Este foi o início dos avanços tecnológicos na materialidade dos trajes de banho. No início, Jantzen produziu o que eles chamam de "ternos de lã" para clubes de remo. Isso se tornou muito popular e a Jantzen o comercializou para um público mais amplo. Foi somente em 1921 que Jantzen se referiu à vestimenta como um maiô. Speedo, a empresa de roupas australiana, começou a experimentar roupas de banho em 1914. Para ambos os sexos, as roupas all-in-one tendiam a ter mangas curtas ou tops de estilo colete com pernas longas. Embora a reforma social tenha começado, o setor comercial ficou para trás. Portanto, tanto a Jantzen quanto a Speedo continuaram a comercializar seus multifuncionais como maiôs ao longo da década de 1910.

Após a Primeira Guerra Mundial, as tendências dos trajes de banho femininos começaram a diferir entre os continentes. Na América e na Europa, as mulheres usavam trajes de banho de malha que substituíram o maiô, porém houve pequenos ajustes dependendo de onde você morava. Na América, as mulheres preferiam um visual prático e esportivo, enquanto as europeias optavam por maiôs mais elegantes e com corte rente ao corpo. Outra diferença fundamental entre as duas tendências da moda era que as roupas de banho femininas eram acessíveis a uma classe média muito grande na América, enquanto na Europa havia claras divisões de classes sobre o que as mulheres podiam ou não comprar para usar na praia. Uma mulher rica pode se destacar vestindo um maiô de malha de seda, em vez de um de malha (Kidwell). Kennedy reitera isso quando escreveu:

“Ambos os lados do Atlântico favoreciam o prático‘ maillot ’de peça única, mas na França as pernas do traje eram mais curtas, o bordado de malha era mais finamente tecido e a decoração era reduzida ao mínimo.” (34)

Embora os trajes maillot usados ​​pelas mulheres fossem melhorias em relação ao que deviam vestir antes da virada do século, eles ainda tinham suas impraticáveis. Devido à materialidade da vestimenta, os maiôs de malha tendiam a ficar deformados quando molhados. O tecido absorveu muita água resultando no alongamento e flacidez do maiô. Essas questões muitas vezes colocavam em risco a modéstia dos trajes de banho das mulheres que preocupavam a sociedade entre as guerras.

Fig. 8 - Fotógrafo desconhecido. Capa da Vogue, Julho de 1932. Fonte: Arquivo da Vogue

Fig. 9 - Neyret (francês). Fato de banho, 1937. Lã tricotada à máquina. Londres: Victoria and Albert Museum, T.293-1971. Fonte: V&A

Durante esse período, a moda praia começou a aparecer nas revistas como roupas da moda (fig. 8), à medida que os estilistas se voltaram para a criação de roupas de banho. Coco Chanel criou um maiô de uma peça, tecido com um tecido boucle, que quase poderia passar por unissex (Kennedy 48). A incursão de Chanel em roupas de banho trouxe-a para a moda moderna. Jean Patou, que trabalhava com sua irmã Madeleine, era provavelmente o estilista de roupas esportivas mais conhecido da época. A roupa de banho também pode ser encontrada nas boutiques de Cannes, Lanvin, Molyneux, Schiaparelli e Poiret (Kennnedy 53).

A década de 1930 deu lugar ao movimento de saúde e boa forma, que favoreceu o condicionamento físico e o físico feminino saudável. Para manter a forma, as mulheres eram incentivadas a praticar exercícios, embora apenas de maneiras consideradas femininas. A natação era um desses exercícios, que também dava às mulheres a oportunidade de experimentar o bronzeamento. No final da década de 1920, a pele bronzeada não era mais uma marca da classe trabalhadora, mas, em vez disso, tornou-se moda e transmitiu que alguém estava de férias e, portanto, rico. Tanto é assim, em 1932, Elsa Schiaparelli patenteou um maiô sem costas com um sutiã embutido com o único propósito de evitar marcas de bronzeado das alças do maiô durante o banho de sol (Snodgrass 566).

As silhuetas juvenis eram uma coisa do passado, pois as mulheres procuravam figuras mais bem torneadas. O maiô na figura 9 é uma peça de roupa de lã tricotada à máquina de 1937. A lã era a preferida por suas qualidades ligeiramente elásticas. O maiô tem alças finas que permitem às mulheres pegar o sol nos ombros. Há um painel central com nervuras que teria fornecido suporte extra e realçado a figura feminina. As calças curtas mantêm a modéstia do usuário.

1945-1999

O fio Lastex (Fig. 10) foi inventado em 1931 (Kennedy 71). Isso foi uma virada de jogo para os trajes de banho, uma vez que eram usados ​​regularmente na produção. Normalmente, os maiôs de malha eram feitos de lã, que perdia a forma quando molhada. A introdução de fios Lastex em trajes de banho femininos significou que as roupas manteriam sua forma dentro e fora da água. Lastex costumava ser combinado com fibras artificiais como o rayon, resultando em um tecido elástico e brilhante (Kennedy 71). Os maiôs agora podiam ser produzidos em uma gama muito maior de cores e estampas (Kennedy 71). Além disso, no final da década de 1940, Christian Dior lançou seu New Look que consistia em cinturas beliscadas e saias rodadas, acentuando a forma feminina. Este design empolgante mudou a tendência para figuras femininas e de ampulheta para mulheres, inclusive em trajes de banho. Neste anúncio de fios Lastex de ca. 1950 (Fig. 10), os maiôs que envolvem a figura refletem as silhuetas femininas da moda do pós-guerra.

Um dos momentos mais significativos na história da roupa de banho feminina foi a criação do biquíni em 1946. O design do biquíni é creditado a dois designers distintos que introduziram a roupa revolucionária ao mesmo tempo. Jacques Heim, um estilista francês, criou uma roupa de banho minimalista de duas peças em maio de 1946, chamada Atome. O Atome de Heim apresentava uma parte superior e inferior em forma de sutiã que cobria a parte inferior e o umbigo. Mais tarde naquele ano, em julho de 1946, Louis Réard, um engenheiro que virou designer, criou o que chamou de biquíni. O design acanhado de Réard, retratado na figura 11, consistia em apenas quatro triângulos de material que foram mantidos juntos com barbante. Os dois modelos competiam pela atenção do público e, embora a vestimenta de Heim fosse a primeira a ser usada na praia, foi o termo biquíni, cunhado por Réard, que pegou.

A ascensão da indústria cinematográfica e do glamour de Hollywood, que celebrou a forma feminina em sua totalidade, teve um grande impacto na indústria de moda praia. Em 1952, Bridget Bardot estrelou o filme francês Manina, a garota de biquíni. Com apenas 17 anos, Bardot foi uma das primeiras mulheres a exibir um biquíni na tela grande. No final da década, em 1956, Bardot apareceu de biquíni novamente em E Deus Criou Mulheres. Essas aparições trouxeram o biquíni para a mídia convencional, iniciando assim a transição da roupa de chocante e ultrajante para o cotidiano. De acordo com Vogue, em meados da década de 1950 os trajes de banho eram vistos mais como um “estado de vestir, não despir” (Delis Hill 63), ilustrando como as tendências da moda liberada foram gradativamente sendo aceitas, mesmo que a sociedade ainda não estivesse pronta para o biquíni.

Fig. 10 - Artista desconhecido. Antes do biquíni: ‘Para embelezar seu corpo neste verão, escolha um maiô que tenha a elasticidade de longa duração que o fio Lastex oferece ...’, ca. 1950s. Fonte: Alamy Stock Photos

Fig. 11 - Fotógrafo desconhecido (francês). Biquíni na piscina do Molitor, 1946. Fonte: Getty Images

Fig. 12 - Willy Rozier (francês, 1901-1983). Bridget Bardot, 1952, Manina, The Girl in the Bikini, com Jean-François Calve, Ullstein Bild Dtl, 1952. Fonte: Getty Images

Em termos de natação competitiva, a Speedo introduziu o náilon pela primeira vez em trajes de banho em 1956 (Kennedy 10). Para as Olimpíadas de Melbourne em 1956, Speedo criou os conhecidos shorts masculinos Speedo (Kennedy 10). Talvez sem surpresa, os avanços tecnológicos em materialidade foram priorizados para uso na natação competitiva masculina antes da natação competitiva feminina. No entanto, não demorou muito para que os trajes de banho femininos de competição também utilizassem as qualidades hidrodinâmicas do náilon. Na década de 1970, a Speedo introduziu o elastano em seus trajes de banho. A combinação de elastano e náilon reduziu significativamente o arrasto da água e melhorou a durabilidade dos trajes de banho.

Fig. 13 - Rudi Gernreich (americano, nascido na Áustria, 1922–1985). Roupa de banho, 1964. Lã, elástica. Nova York: Metropolitan Museum of Art, 1986.517.13. Gift of Betty Furness, 1986. Fonte: The Met

Fig. 14 - William Claxton (americano, 1927-2008). Peggy Moffit, monokini de Rudi Gernreich, 1964. Fonte: sessão de destaque

Os designers continuaram a experimentar roupas de banho ao longo da segunda metade do século XX. Emanuel Ungaro, André Courrѐges, Giorgio Armani, Oscar de la Renta e Calvin Klein começaram a vender roupas de banho pronto-a-vestir na década de 1960 (Snodgrass 567). Em 1964, o designer Rudi Gernreich lançou seu icônico monokini (Figs. 13-14). A primeira peça de roupa sem camisa, a peça única consistia em calças justas de cintura alta que eram mantidas no lugar por finas tiras de decote. O monokini de Gernreich, assim, justapôs o vestido conservador com imodéstia.

Fig. 15 - Fotógrafo desconhecido. Nicolette Sheridan no Kauai Lagoons Celebrity Sports Invitational de 1988, 1988. Fonte: Getty Images

Fig. 16 - Fotógrafo desconhecido. Pamela Anderson, Baywatch, 1995. Fonte: Harper's Bazaar

No final do século XX, os trajes de banho femininos tornaram-se cada vez mais ousados ​​e coloridos, um reflexo das tendências da moda da época. Biquínis e maiôs ainda eram os trajes de banho preferidos, que agora apresentavam pernas de corte alto, tops de biquínis sem alças e até sarongues combinando (fig. 15). O programa de televisão Baywatch, que foi ao ar pela primeira vez em 1989, ficou conhecido pelos maiôs de corte alto vermelho vivo de seus personagens (Fig. 16). Este estilo de roupa de banho popularizou a peça inteirinha com este novo formato.

Século 21

A natação competitiva no século XXI continuou a se beneficiar dos avanços tecnológicos em formas e materiais. Em 2008, a Speedo lançou o LZR Racer, retratado nas figuras 17 e 18. O maiô até o corpo é feito de náilon-elastano e poliuretano. Esses maiôs foram controversos, pois muitos consideraram os materiais usados ​​uma vantagem injusta devido às suas propriedades hidrodinâmicas. Após seu uso nas Olimpíadas de Pequim de 2008, onde os atletas que usaram o LZR tiveram um desempenho excepcionalmente bom, os regulamentos para roupas de banho nos Jogos Olímpicos foram revisados. Concluiu-se que os trajes de banho femininos só podem ser na altura dos ombros até os joelhos.

Desde os anos 2000, muitas tendências de moda praia feminina do século XX estão sendo revisitadas devido à natureza cíclica da moda. Peça única dos anos 1950, corte alto Baywatch trajes de banho e biquínis pequenininhos costumam ser vistos na mesma praia. O maiô feminino continua a ser mais do que apenas uma vestimenta funcional, ele também deve estar na moda. Algo que é novo em trajes de banho femininos no século XXI é que as marcas de trajes de banho incluem mais tamanhos femininos. A pressão para ter uma determinada aparência ao lado da piscina está diminuindo lentamente. Embora o século XX tenha procurado erradicar as leis que controlam a modéstia das mulheres, talvez o século XXI seja a era em que os trajes de banho femininos se tornem inclusivos para todos.

Fig. 17 - Fotógrafo desconhecido. Speedo Launch Worlds Fastest maiô, 2008. Fonte: Getty Images

Fig. 18 - Mike Stobe (americano). Lançamento de maiô Speedo, 2008. Fonte: Getty Images

Referências:
  • Delis Hill, Daniel. Como visto na Vogue. Texas: Texas Tech University Press. 2007. https://www.worldcat.org/oclc/1027144384
  • Kay, Fiona e Storey, Neil. R. Moda dos anos 40. Inglaterra: Amberley Publishing, 2018. https://www.worldcat.org/oclc/100792685
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  • Kidwell, Claudia Brush. Traje feminino de banho e natação nos Estados Unidos. Washington: Smithsonian Institution Press. 1968. https://www.worldcat.org/oclc/249672621
  • Schmidt, Christine e Tay, Jinna. Undressing Kellerman, Uncovering Broadhurst: The Modern Women and “Un-Australia”, Teoria da Moda, Volume 13, Edição 4. https://doi.org/10.2752/175174109X467495
  • Snodgrass, Mary Ellen. Vestuário e moda mundiais: uma enciclopédia de história, cultura e influência social. Londres, Inglaterra: Routledge. 2014. https://www.worldcat.org/oclc/881384673

Sobre o autor

Fiona Ibbetson

Fiona Ibbetson é uma pesquisadora de estudos da moda e história do design baseada em Londres. Ela se formou recentemente em MA Fashion Critical Studies na Central Saint Martins, University of the Arts London, e tem um BA em Antropologia pela University of Exeter.


How L.A. designer Rudi Gernreich shifted fashion politics

Wander the new exhibition “Fearless Fashion: Rudi Gernreich” at Skirball Cultural Center in Brentwood and you’ll quickly see how Rudi Gernreich, a gay, Jewish dancer-turned-designer and an activist, was ahead of his time in terms of the scope of his designs and how he saw the future and humanity evolving.

The retrospective, which runs through Sept. 1, celebrates the work of an innovative designer who challenged thoughts on gender, sexuality and diversity, particularly during the 1960s and ’70s, and who once said, “You are what you decide you want to be.”

Gernreich, who died of lung cancer in 1985, predicted that people wouldn’t distinguish between masculine and feminine in the future and instead would seek comfortable, utilitarian clothes that weren’t overly frilly or ornate. Soa familiar?

Among the 80-plus looks and pieces in the exhibition — which also includes oral histories, letters and other artifacts — are styles that immediately recall the ’60s and ’70s: the loud colors, the geometric designs, the bold cuts. But there are also fashion game-changers that speak to the ideal that people should be free of self-imposed or societal restrictions, including unisex caftans, thong bathing suits and swimsuit tops free of underwire.

One afternoon earlier this week, former model Renée Holt, who later worked in movie animation and special effects, strolled through the Gernreich exhibition remembering her days with the designer. The 72-year-old Glendale resident, who also appears on video in “Fearless Fashion” in an oral history, briefly modeled for Gernreich during the early 1970s when he was promoting his unisex fashion. Together, they took work trips to Chicago Osaka, Japan and elsewhere.

Back then, Holt said, she was close to giving up on modeling when her agent called her about Gernreich. Despite being shy, Holt shaved her head and body and posed nude for Gernreich’s projects. She also appeared in a photo with a shaved head wearing one of Gernreich’s unisex black catsuits.

“I felt a lot less repressed as a woman after being with Rudi and hanging around him and [his partner] Oreste,” she said, adding that the experience of working with Gernreich forever changed her as a person, especially after growing up in a conservative family.

Standing at a display of a mannequin wearing the unisex catsuit, its pose mimicking the bent-leg, bent-back pose that she struck during the photo shoot decades ago, Holt said: “This was me. I don’t remember bending that way. Then again, it was 50 years ago. … I was bendy back then. I tried to do it the other day and ended up in bed for two days.”

Gernreich immigrated to Pasadena in 1938 after fleeing Nazi-occupied Austria. His first job was at a morgue. Later, Gernreich, a founding member of the Mattachine Society, one of the first LGBTQ organizations in the U.S., moved from dance into fashion during the 1940s and ’50s. He worked with the likes of entrepreneur Hattie Carnegie and Hollywood costume designer Edith Head and eventually had a deal with retailer Montgomery Ward. (Toward the end of his life, Gernreich mostly abandoned fashion and got into making gourmet soups and housewares.)

Through his fashion career, Gernreich used his clothes to shift thought and raise awareness. For example, he created thong swimwear for women and men, which is on display in “Fearless Fashion,” to protest the city of Los Angeles prohibiting nude sunbathing in 1974.

Another of Gernreich’s groundbreaking pieces on display is the monokini, a topless swimsuit style he created for Look magazine after he told Women’s Wear Daily in 1962 that “bosoms will be uncovered in five years.”

A back-view photo of the monokini appeared in Look, and a front-facing photo appeared in WWD in 1964 worn by the designer’s collaborator and muse, model Peggy Moffitt. (Moffitt co-authored a 1991 book about Gernreich and his work and loaned many of the pieces in this exhibition.) About 3,000 monokinis were sold, and according to his 1985 obituary in The Times, Gernreich, who had a studio in West Hollywood, received praise for his design at the time but was “denounced by the Vatican, the Kremlin and many American clergymen. He received hundreds of letters, many threatening violence.”

Included in the mix on display are pieces from Gernreich’s statement-making 1970-’71 resort collection, which featured military-inspired pieces outfitted with dog tags and rifles. The pieces were shown after the Kent State shootings in 1970.

Also featured in “Fearless Fashion” is a controversial design — a women’s pantsuit, named after gender-bending actress and singer Marlene Dietrich, from the 1960s. Coming before Yves Saint Laurent’s iconic Le Smoking suit, Gernreich’s suit was banned from appearing at the Coty fashion awards.

It was one of the Gernreich pieces that stopped designer Humberto Leon, co-creator of Opening Ceremony and co-designer of French label Kenzo, in his tracks during a recent visit to the “Fearless Fashion” exhibition for which Leon was a consultant.

“Rudi was so much more than a fashion designer,” said Leon, who became involved in the exhibition about two years ago. “He was a political commentator. He was really reacting to the world, and I think [he was] globally influential. His approach to design and the way he used clothing as commentary on the times is something that was super-inspiring.

“I think there’s a timelessness to all of this,” he said, adding that Gernreich’s work easily could be part of fashion in 2019. (The Gernreich label was relaunched in 2018, and pieces are sold at retailers including Ssense and Farfetch.) “That’s because he was beyond fashion. He was making statements. He was freeing women. He was liberating.”

Zigzagging through the exhibition, Leon said visitors to “Fearless Fashion” should remember to take a closer look at the Gernreich pieces on display and consider the mores of the time and the news of the day.

“He really challenged all of those ideas,” Leon said, adding that people today would less likely be outraged by a thong or pantsuit. “The definition of masculinity and femininity were very blurred [in Gernreich’s work], and I think that’s so modern today.”


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