Bill Brandt

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Bill Brandt nasceu em Londres em 1904. A família mudou-se para a Alemanha, mas Brandt, sofrendo de tuberculose, frequentou um sanatório na Suíça. Saindo do hospital em 1929, Brandt foi para a França onde estudou com o artista surrealista Man Ray em Paris.

Brandt começou a fotografar e seu trabalho apareceu pela primeira vez no Revista paris em 1930. Durante a Depressão, ele retornou à Grã-Bretanha e suas fotos apareceram no Daily Chronicle. Ele também publicou livros de fotografias, incluindo O inglês em casa (1936) e Uma noite em Londres (1938).

Durante a Segunda Guerra Mundial, Brandt gravou a vida durante a Blitz e se tornou um dos principais fotojornalistas do mundo. Em 1948 ele publicou The Camera in London.

Após a guerra, Brandt perdeu o interesse pela fotografia documental e desenvolveu suas idéias sobre expressionismo e surrealismo. Suas fotografias costumavam ter uma iluminação estranha e eram impressas para alto contraste com a eliminação dos tons médios. Seus temas incluíam nus, paisagens e praias. Bill Brandt morreu em 1983.

Além do meu trabalho em Postagem de imagem, Eu também era, desde 1941, responsável por Lilliput, a revista de bolso criada por Stefan Lorant para a qual, cerca de seis anos antes, tentei em vão contribuir na esperança de ganhar três guinéus. Lilliput foi uma publicação deliciosa, bem impressa, com uma capa colorida atraente desenhada sempre pelo mesmo artista, Walter Trier. Uma de suas características mais conhecidas eram os 'duplos' - duas fotos parecidas em páginas opostas, um pombo

em frente a um cadete em desfile com o peito esticado; Hitler fazendo a saudação nazista a um cachorrinho com a pata levantada; um urso em frente a um publicano com um rosto em forma de pêra.

Bill Brandt, hoje uma venerada figura paterna na fotografia, tirou muitas séries de fotos para Lilliput, fotografando jovens

poetas, tirando fotos em sets de filmagem, em pubs, no Soho, nos parques de Londres. Um dia, no verão de 1942, sugerimos a ele que essas noites de guerra ofereciam uma oportunidade única de fotografar Londres inteiramente ao luar. Por causa do blecaute, não havia iluminação pública, nem faróis de carro, nem luz de qualquer tipo; nunca na história houve tal chance, e uma vez que a guerra terminasse, ela nunca mais voltaria. Ele voltou para nós semanas depois com um belo conjunto de fotografias misteriosas das quais fizemos dez páginas. Ele havia sido obrigado a dar exposições de até meia hora, e uma vez se viu repentinamente cercado pela polícia. Uma senhora idosa o viu parado ao lado de sua câmera montada em um tripé e discou 999 para dizer que havia um homem na estrada com uma máquina perigosa.


Bill Brandt e # x2019s Negative Beginnings

Os jovens às vezes olham para o mundo com uma certeza impetuosa, vendo apenas absolutos & # x2014 negros totalmente e brancos brilhantes. Mas o tempo e a experiência nos ensinam que a vida existe principalmente em matizes de cinza e que a ambigüidade muitas vezes fornece insights.

Para o fotógrafo Bill Brandt, o inverso era verdadeiro. Seu trabalho inicial de documentário social foi renderizado quase inteiramente em meios-tons sutis. Foi apenas em seus posteriores, e mais famosos, nus e paisagens que ele fez impressões de alto contraste surpreendentes.

Para realmente entender o trabalho do Sr. Brandt & # x2019s, você deve recorrer às estampas vintage originais, e esse & # x2019 é exatamente o objetivo de & # x201CShadow and Light & # x201D uma retrospectiva no Museu de Arte Moderna. Suas fotos foram exibidas no MoMA em 1948 e novamente em 1961, mas foi a exposição de 1969 com curadoria de John Szarkowski que cimentou sua reputação como um dos fotógrafos mais importantes do século XX. Até recentemente, a coleção Brandt do museu era composta quase inteiramente de impressões de alto contraste feitas para a exposição de 1969 sob a supervisão do fotógrafo.

Depois de começar a fazer suas impressões dramáticas no início dos anos 1950, Brandt só reimprimiu suas fotos de antes e durante a Segunda Guerra Mundial com um contraste muito maior, o que mudou radicalmente seus efeitos. Mas uma recente campanha de aquisições do MoMA focou nas impressões que o próprio Brandt havia feito na época em que os negativos foram expostos.

Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd., cortesia de MoMA & # x201CReg Butler. & # X201D Circa 1952.

Exibir essas imagens permitiu à curadora, Sarah Hermanson Meister, conectar o que parecia ser silos completamente separados do trabalho de Brandt & # x2019.

& # x201Se você for forçado a olhar para as diferentes seções de seu trabalho isoladamente, será difícil entender a trajetória de uma carreira & # x201D, disse ela.

A exposição dá corpo ao trabalho de Brandt & # x2019s com muitas imagens raramente mostradas, incluindo fotos da Segunda Guerra Mundial que vão além das imagens da vida cotidiana em abrigos antiaéreos de Londres, que sempre foram incluídas em retrospectivas anteriores. Sem o contexto adicional, é fácil descartar seu primeiro documentário social e trabalho de retratos como um prelúdio para seu trabalho mais influente dos anos & # x201950s, & # x201960s e & # x201970s. Na verdade, ele teria sido um fotógrafo importante, mesmo que tivesse parado de fotografar antes de seus nus.

Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd., cortesia do MoMA & # x201CGull & # x2019s Nest, Late on Midsummer Night, Isle of Skye. & # X201D 1947.

O volume de imagens na exposição e o livro que a acompanha fornecem uma oportunidade de entender o desenvolvimento da visão do Sr. Brandt & # x2019s e sua impressão.

& # x201Looking as impressões vintage, você começa a ver uma mudança do final & # x201940s em meados - & # x201950s de tons muito prateados, que persistem mesmo após a guerra, para o contraste mais alto, tom mais alto do trabalho em o retrato de Reg Butler (acima de) e o retrato de uma jovem deitada no chão naquele interior (abaixo), & # x201D disse a Sra. Meister.

Ao examinar as impressões de perto, os espectadores também podem ver que nada estava fora dos limites para o Sr. Brandt quando se tratava de trabalho em câmara escura. Ele imprimia algo de uma maneira e, em seguida, imprimia de uma maneira totalmente diferente, recriá-la e, muitas vezes, retocar extensivamente. Ele usava uma navalha para cortar, raspar e prensar a emulsão, um pincel fino para aplicar tinta ou aguarela, ou um lápis de grafite para adicionar ou reforçar os detalhes.

& # x201CEnquanto podia ser notavelmente desinibido em suas revisões de imagem, às vezes ele demonstrou uma contenção e uma leveza de toque que é quase invisível em suas impressões acabadas, & # x201D Lee Ann Daffner, um conservador do MoMA, escreveu no livro.

Mais tarde em sua vida, o Sr. Brandt pode ter pegado uma impressão existente e refotografado, reimpresso e retocado para obter o efeito desejado.

Ele certamente não foi o único fotógrafo a retocar imagens extensivamente ou a explorar diferentes seções da escala de cinza. Mas as abordagens de impressão totalmente diferentes que ele adotou durante sua carreira tornaram seu trabalho difícil de entender completamente.

A exposição MOMA, que vai até 12 de agosto, é uma homenagem não só à amplitude de seu trabalho, mas também à primazia da impressão & # x2014 o objeto físico & # x2014 em compreender verdadeiramente os artistas fotográficos.

- não é tão simples descartar a força de suas interpretações posteriores como um homem envelhecendo & # x2019s gravuras bastardas & # x201D a Sra. Meister escreveu na introdução do livro & # x2019s. & # x201Certamente, uma parte significativa da arte de Brandt & # x2019s é que a exposição do negativo foi, para ele, apenas o começo. Em muitos aspectos, cada impressão de Brandt é única porque a difusão de sua mão em retocar seu trabalho & # x2014 para corrigir e melhorar, com uma variedade de ferramentas & # x2014 significa que é raro encontrar duas estampas apresentadas de maneira idêntica . & # x201D

Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd., cortesia do MoMA & # x201CPortrait of a Young Girl, Eaton Place. & # X201D 1955.

& # x201CBill Brandt: Shadow and Light & # x201D está em exibição no Museu de Arte Moderna até 12 de agosto.


Bill Brandt

Fotógrafo inglês de nascimento alemão, Bill Brandt viajou para Viena em 1927 para consultar um especialista em pulmão e então decidiu ficar e encontrar trabalho em um estúdio fotográfico. Lá, em 1928, ele conheceu e fez um retrato de sucesso do poeta Ezra Pound, que posteriormente apresentou Brandt ao fotógrafo americano Man Ray, residente em Paris. Brandt chegou a Paris para iniciar três meses de estudos como aprendiz no Man Ray Studio em 1929, no auge do entusiasmo da época por exposições fotográficas e publicações, seus trabalhos dessa época também mostram a influência de André Kertész e Eugène Atget. como Man Ray e os surrealistas.

Ao retornar a Londres, em 1931, Brandt era versado na linguagem do modernismo fotográfico. Durante a década de 1930, ele publicou suas primeiras monografias importantes O inglês em casa (1932) e Uma noite em Londres (1932) além de se tornar um colaborador frequente da imprensa ilustrada, especificamente Postagem de imagem, Lilliput, ilustrado semanalmente, e Verve, suas fotos publicadas exemplificam sua habilidade técnica e seu interesse na construção de narrativas visuais. Algumas de suas reportagens mais significativas representaram as condições extremas criadas pela Segunda Guerra Mundial. Após a guerra, Brandt iniciou uma longa exploração do nu feminino, transformando o corpo através do ângulo e da moldura da lente da câmera.

Introdução de Mitra Abbaspour, Curadora Associada, Departamento de Fotografia, 2014


Bill Brandt

Brandt foi um dos quatro meninos que nasceu em Hamburgo, Alemanha, em 3 de maio de 1904. Em 1920, Brandt contraiu tuberculose e passou os seis anos seguintes em um hospital em Davos. Após sua libertação, ele viajou para Viena, onde encontrou um emprego trabalhando com Greta Kolliner em um estúdio de retratos. Durante seu trabalho no estúdio, ele tirou o retrato do poeta americano Ezra Pound. Ele ficou muito impressionado com a imagem e recomendou que Brandt fosse a Paris para trabalhar com Man Ray. Ele se mudou para Paris em 1929 para trabalhar no estúdio de Man Ray. Embora tenha trabalhado lá apenas por três meses, Brandt foi profundamente influenciado pelo estilo surrealista e também ficou fascinado pelo trabalho do fotógrafo parisiense Eugene Atget. Ambas as influências são vividamente evidentes ao longo da carreira de Brandt. Enquanto trabalhava com Man Ray, Brandt também fez algumas fotos freelance para a Paris Magazine. Brandt mudou-se para a Inglaterra em 1930, lar adotivo de Brandt, e continuou a fotografar freelance. Em 1934, Minotaure, uma revista surrealista com sede em Paris, publicou uma de suas primeiras imagens surrealistas. Em 1936 ele publicou seu primeiro livro, O inglês em casa, que documentou as condições econômicas e sociais na Inglaterra. Ele viajou por mais alguns anos e fotografou em Barcelona, ​​Toledo e Madrid. Lilliput, uma revista de belas artes dedicada à fotografia, foi publicada pela primeira vez em 1937 e incluía muitas imagens de Brandt. Brandt estava rapidamente se tornando um dos fotógrafos mais procurados de seu tempo.

A documentação social que Brandt fez para essas revistas foi inovadora. A Inglaterra estava em uma depressão. Brandt capturou a essência do sofrimento das pessoas e produziu alguns dos melhores ensaios fotográficos para Lilliput. Francis Hodgson, notável curador, escritor, historiador e crítico, disse de Brandt: "vamos começar com uma percepção muito simples de que Brandt é de longe o maior fotógrafo britânico e incluo nisso até Fox Talbot. Brandt é o único fotógrafo britânico absolutamente de classe mundial, pois chegamos ao fim do período da fotografia como uma forma de arte separada. Curiosamente, a razão para isso é que ele não considerava a fotografia uma forma de arte separada. Ele foi alfabetizado e educado em livros, teatro e dança quando jovem - ele se preocupou apaixonadamente com as artes - mas o mais importante é que ele sempre foi alguém que tinha algo a dizer. No meu nível de admiração pessoal acho que não há fotógrafo melhor porque as mensagens são tão importantes - ele é alguém que realmente acreditava na igualdade social, no declínio de um certo tipo de vida idílica britânica ”.

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Seu segundo livro, Uma noite em Londres, seguido em 1938. Durante a Segunda Guerra Mundial, ele registrou os efeitos da guerra em Londres. Muitas das fotos foram tiradas à noite, sem flash, durante os apagões da cidade. Influência de Brassai, que permaneceu seu amigo de longa data, as imagens noturnas de Brandt estão saturadas de humor e atmosfera.

Durante a década de 1930 e até o final da década de 1940, Brandt trabalhou para o Ministério da Informação, o National Building Record e continuou seu trabalho para Lilliput, Picture Post e Harper’s Bazaar. O trabalho de Brandt com a Harper’s Bazaar teve início em uma nova era de sua carreira. O retrato e a fotografia de moda tornam-se tão importantes para Brandt quanto sua documentação social. Ele fotografou Salvador Dali, Cecil Beaton, Henry Moore, Rene Magritte, Francis Bacon, Joan Miro e muitos mais. Além disso, com muitas de suas viagens, ele passou a gostar de fotografar a paisagem.

Em 1950, o trabalho de Brandt deu outra grande guinada para uma abordagem artística mais expressiva. Ele comprou uma velha câmera de madeira com lente grande angular que complementava seu estilo artístico. “Um dia, em uma loja de artigos usados, perto de Covent Garden, encontrei uma Kodak de madeira com 70 anos de idade. Fiquei encantado. Como as câmeras do século XIX, não tinha obturador, e a lente grande angular, com uma abertura tão diminuta quanto um furo de alfinete, focava no infinito. Em 1926, Edward Weston escreveu em seu diário: "a câmera vê mais do que o olho, então por que não fazer uso disso?" Minha nova câmera viu mais e de forma diferente. Isso criou uma grande ilusão de espaço, uma perspectiva íngreme irreal e distorcida. Quando comecei a fotografar nus, deixei-me guiar por esta câmera, e ao invés de fotografar o que vi, fotografei o que a câmera estava vendo. Eu interferi muito pouco, e as lentes produziram imagens e formas anatômicas que meus olhos nunca haviam observado. Eu senti que entendi o que Orson Welles quis dizer quando disse, ‘a câmera é muito mais do que um aparelho de gravação. É um meio pelo qual as mensagens nos chegam de outro mundo. '”A distorção aguda produzida pelas lentes criou uma perspectiva abstrata em suas paisagens, retratos e nus subsequentes. As imagens que ele criou com a perspectiva não natural, pontos de vista incomuns e o uso de iluminação estranha chocaram as pessoas na época, mas ampliaram para sempre os limites das imagens. A maior parte de seu trabalho influente com nus foi tirado na Normandia e na costa de Sussex. Em 1961, Brandt publicou seu primeiro livro de nus, Perspectiva de Nus. Mais tarde, Shadow of Light, uma retrospectiva do trabalho de Brandt foi publicada. Sua primeira exposição retrospectiva foi inaugurada em 1969 no Museu de Arte Moderna de Nova York. Edward Steichen e John Szarkowski estiveram envolvidos na produção. Esta exposição apresentou uma série de exposições em todo o mundo, incluindo Paris, Estocolmo, São Francisco, Houston, Boston e Washington D.C. Suas fotografias são mantidas em várias coleções públicas e privadas. O Arquivo Bill Brandt, localizado em Londres, oferece uma edição limitada de imagens e livros de Bill Brandt.

Brandt recebeu um doutorado honorário do Royal College of Art de Londres e foi nomeado membro honorário da Royal Photographic Society of Great Britain.

Ele foi um dos “Melhores Fotógrafos do Mundo” em junho de 1968, conforme declarado pelo Observer. Brandt sofreu de diabetes por mais de 40 anos e em 20 de dezembro de 1983 morreu após uma curta doença. A seu pedido, suas cinzas foram espalhadas em Holland Park. No início de sua vida, ele se casou, mas nunca teve filhos. No entanto, Brandt foi perspicaz quando disse: “o fotógrafo deve primeiro ter visto seu assunto, ou algum aspecto de seu assunto como algo que transcende o comum. Faz parte do trabalho do fotógrafo ver mais intensamente do que a maioria das pessoas. Ele deve ter e manter consigo algo da receptividade da criança que olha o mundo pela primeira vez ou do viajante que entra em um país estranho ... eles carregam dentro de si um sentimento de admiração. ”

O aspecto mais importante da carreira de Bill Brandt foi que ele estava aberto a todos os aspectos da fotografia como um meio totalmente exploratório. A importância de registrar sua visão em filme era tão importante quanto seu trabalho na câmara escura. Seu compromisso com o meio, de forma que até mesmo uma câmera poderia ensiná-lo a ver uma nova perspectiva, deu a Brandt um lugar na história da fotografia. Bill Brandt foi incluído no Hall da Fama e Museu da Fotografia Internacional em 1984.


Ele começa como um jornalista muito considerável. Ele está interessado em aulas, ele está interessado em uma sociedade em mudança por meio da industrialização e ele está interessado no que eu acho que você chamaria de & # 8216 justiça social & # 8217.

GC: Então Brandt é um fotógrafo que não se interessa tanto por práticas fotográficas?

FH: O que você diz é que ele nunca foi um hobby e nunca um obsessivo em câmara escura, mas um fotógrafo completo. A razão pela qual eu disse isso é que ele nunca fez uma fotografia a menos que tivesse algo a dizer nela.

GC: Brandt era um emigrado alemão ...

FH: Bem, Brandt começa como um homem disfarçado. Ele é alemão, mas finge ser inglês, embora seja alemão o suficiente para nunca mudar seu próprio nome. Ele foi um emigrado único em uma geração em que centenas de homens importantes vieram da Alemanha e de outros países europeus para trabalhar na Grã-Bretanha. Brandt era o homem de ascendência britânica, ou melhor, meio britânico, que era muito privilegiado e veio sem temer seus life & # 8211 na verdade, ele foi até uma casa muito grande em Kensington. Ele é um privilegiado em uma época em que pessoas como The Cambridge Apostles e George Orwell afirmam que é
difícil ser privilegiado se você quer ser um homem de esquerda e ele é genuinamente um homem de esquerda, embora tenha sido um homem muito rico durante toda a sua vida.

FH: Ele começou como um jornalista muito considerável. Ele está interessado em aulas, ele está interessado em uma sociedade em mudança por meio da industrialização e ele está interessado no que eu acho que você chamaria de & # 8216 justiça social & # 8217. Fotografias como as empregadas de salão, os coquetéis no jardim de Surrey, que fazem parte do livro The English at Home, têm muito a ver com dizer que & # 8216tudo isso & # 8217 pode & # 8217t durar. O que ele está usando como suas ferramentas para dizê-lo são realmente verdades objetivas estritas - ele nunca sentiu que estava mentindo em suas fotos e enorme talento artístico & # 8211 que sempre fingiu o que sentia que estava fingindo.

Para alguém como eu, eu realmente aprecio a maneira como Brandt falsificou as coisas para que a famosa foto dos três homens de sobretudo em um beco escuro - um deles é seu cunhado, o outro era amigo dele e todos eram paguei cinco bob e um bom almoço no bar para ir fazer isso. Ele falsificou muitas de suas fotos nesta época. Ele é um pouco como Dashiell Hammett ou Raymond Chandler - permitindo-se dizer coisas muito importantes sobre o estado da nação, mas por meio de mecanismos fictícios.

GC: Ao contrário de dizer O Movimento de Observação em Massa?

FH: Brandt quase foi seduzido por Observação de massa - a certa altura, ele foi nomeado fotógrafo da equipe do Ministério de Assuntos Internos. O desenhista da equipe era Henry Moore e os dois fotógrafos da equipe eram Brandt e William MacQuitty. Eles pensaram que estavam sendo chamados para serem "artistas da guerra", mas não foram chamados para serem propagandistas - algo que ambos franziram a testa, pois sentiram que tinham suas próprias coisas a dizer. Brandt manteve o emprego, daí as grandes fotos, como as pessoas adormecidas no subsolo, mas se recusou a fazer propaganda.

O que Brandt descobriu então foi uma sensibilidade muito próxima à de Francis Bacon - ambos ficaram profundamente chocados com a guerra e ambos muito alarmados por poderem morrer de medo. Brandt se torna um homem que descobre o poder de uma espécie de & # 8216destilação & # 8217 da verdade, então você tem que adicionar seu relacionamento com Stefan Lorant, o que é muito importante.

Lorant foi o primeiro editor de imagens a realmente usar a fotografia de notícias para mais do que notícias e a transformá-las em comentários sociais - o primeiro grande editor de revistas famoso na Grã-Bretanha porque fundou o Lilliput e o Picture Post e os editou. Quando Lorant chegou à Grã-Bretanha, ele encontrou este estábulo de emigrados alemães - Felix Mann, Wolfgang Suschitzky e também fotógrafos nativos britânicos como Bert Hardy e Grace Robertson e ele tenta soldar seu senso agudo de que o mundo estava acabando e que era preciso falar sobre isso rapidamente em algo novo e vendável.

Brandt cai de braços abertos e pensa que essa mistura de profundamente sério e leve lhe cai muito bem. Na verdade, ele é um pouco sério demais para o mercado, de modo que Brandt nunca se torna um fotógrafo da equipe do Picture Post. Ele se considera em parte um & # 8216bolo tolo & # 8217 Brandt pode dizer o que quiser porque ninguém o possui & # 8211 ele & # 8217 é rico, ele & # 8217s privilegiado, ele & # 8217s maravilhosamente bem treinado e ele & # 8217s fantasticamente literado no artes. Sua inclinação é produzir um livro como Literary Britain, um livro muito mais satírico do que a atual maneira sentimental e nostálgica de encarar o assunto produziria - é mais um livro do tipo Betjeman.

GC: Em que medida isso representa uma definição das intenções fotográficas de Brandt & # 8217s?

FH: O que você tem é o início de uma visão de um homem que é em parte George Orwell, ele & # 8217s treinado até certo ponto por Man Ray, portanto, em parte um surrealista. Ele é mais um homem literário do que um homem visual & # 8211 basicamente um crítico literário e crítico social, mas ele usa uma câmera como ferramenta. Disto você obtém um admirável corpo de trabalho básico - as paisagens de Bronte, as paisagens de Hardy - coisas que Brandt pode fazer de cabeça para baixo. Você também tem uma visão profundamente perturbada de um homem privilegiado se preocupando com privilégios e um inglês alemão preocupado com as relações entre a Alemanha e a Inglaterra e uma espécie de intelectual Kensington preocupado com o
declínio das coisas dos sentidos.

Brandt realmente sentiu durante toda a vida que as classes educadas haviam decepcionado a nação com o fracasso da educação - ela falhou em usar a educação e a cultura para as coisas que podia fazer. Os valores que ele sentia serem importantes estavam sendo corroídos à esquerda, à direita e ao centro. No topo da estrutura de classes, eles foram corroídos por uma espécie de traição, que as pessoas não correspondiam às expectativas do mundo e, no fundo, eram corroídos pela economia - que as pessoas estavam falidas demais para poder contribuir .

Brandt realmente sentiu durante toda a vida que as classes educadas haviam decepcionado a nação com o fracasso da educação - ela falhou em usar a educação e a cultura para as coisas que podia fazer. Os valores que ele sentia serem importantes estavam sendo corroídos à esquerda, à direita e ao centro. No topo da estrutura de classe, eles foram corroídos por uma espécie de traição, que as pessoas não correspondiam às expectativas do mundo e do
no fundo, eles foram corroídos pela economia - as pessoas estavam falidas demais para poderem contribuir.


Vistas de instalação

Bill Brandt: sombra e luz 6 de março a 12 de agosto de 2013 6 outras obras identificadas

Bill Brandt: sombra e luz 6 de março a 12 de agosto de 2013, 10 outras obras identificadas

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Bill Brandt - História

Bill Brandt, Belgravia, Londres, fevereiro de 1953 PN 1401-2

Bill Brandt conquistou seu lugar como um dos fotógrafos mais proeminentes da Grã-Bretanha ao longo do século XX. Começando como fotojornalista, Brandt produziu uma ampla gama de trabalhos ao longo de sua carreira, incluindo retratos, paisagens e nus, feitos inteiramente em preto e branco. Hoje, quase quarenta anos após sua morte, a Marlborough Gallery mostra a preocupação de várias décadas de Brandt com o nu feminino com Perspectiva de Nus (revisitada). Em exibição até 8 de maio, a exposição destaca a integração de Brandt das formas naturais e humanas, bem como seu domínio técnico do meio fotográfico, dentro e fora da câmara escura.

Brandt começou sua carreira como fotojornalista, documentando a vida cotidiana dos britânicos e trabalhando para revistas ilustradas. Seu primeiro photobook, O inglês em casa, foi um estudo antropológico da vida britânica, mostrando com uma perspectiva distanciada os costumes e hábitos dos cidadãos de todas as esferas da vida. Depois disso, ele foi contratado ao longo da década de 1940 pelo governo britânico para capturar cenas da vida diária na Grã-Bretanha durante a guerra. Foi só depois dessas passagens pelo fotojornalismo que Brandt mudou de temas sociopolíticos para um trabalho mais artístico. Em 1961, a publicação de Perspectiva de Nus marcou, nas palavras dos curadores Martina Droth e Paul Messier, “o ponto em que a estatura de Brandt como figura mundial da arte tornou-se estável”. Foi depois disso que as pessoas passaram a reconhecer Brandt como um artista, e não como um jornalista.

Bill Brandt, Costa Leste de Sussex, julho de 1977 PN 3095-3

As paisagens estavam entre os temas mais comuns de Brandt em seus trabalhos anteriores. Ao documentar a Grã-Bretanha, ele tirou muitas fotos de suas formas naturais e arqueológicas icônicas. Uma fotografia de Stonehenge de 1947, chamada "Stonehenge Under Snow" retrata o famoso monumento pré-histórico com composição elegante e artística, usando grandes quantidades de contraste e espaço em branco - as pedras são moldadas em pretos profundos, enquanto a neve e o céu são quase sem nenhum detalhe . Esses dois componentes visuais, contraste e espaço em branco, são usados ​​extensivamente nos nus de Brandt, indicando que interesses estéticos semelhantes estavam em jogo em seus trabalhos documentais e artísticos.

Bill Brandt, Costa Leste de Sussex, julho de 1977 PN 3095-3

A paisagem também não foi deixada de lado quando Brandt começou a criar nus. Ao contrário, é incorporado em muitas de suas fotografias do corpo feminino. Nus filmados nas icônicas praias rochosas da Europa combinam o ambiente natural com as partes do corpo de uma forma que quase os mistura em um todo unificado. O uso de contraste de Brandt é especialmente importante aqui - por exemplo, em "St Cyprien, France, October 1951", as pernas do sujeito são renderizadas com sombras quase idênticas àquelas no corpo de água próximo ao qual ela posa. Esse efeito de fusão não é obtido apenas com sombreamento, mas também por meio da composição, já que fotografias como “Baie des Agnes, France, 1959” retratam dedos entrelaçados de uma forma que lembra muito os seixos da praia. Filmadas em close-up extremo e com sombreamento meticuloso, essas partes do corpo aparecem mais como figuras da escultura modernista do que como partes reais do corpo, evocando as formas de Brâncuși ou Jean Arp.

Bill Brandt, Londres, março de 1952 PN 1405-3

Para criar estampas de alto contraste com alto grau de detalhe, Brandt era conhecido por manipular suas estampas antes e depois da revelação, não apenas esquivando e queimando, mas também gravando e sombreando-as, com ferramentas como lâminas de barbear e lápis de grafite. Olhando bem de perto as impressões de Marlborough, as evidências dessas manipulações de superfície podem ser vistas. Essa preocupação com retoques e atenção aos detalhes fez de Brandt um artista notavelmente inovador na época, envolvendo-se com a impressão fotográfica de maneiras incomuns.

O uso de lentes grande-angulares por Brandt é outra característica marcante de sua prática fotográfica inovadora. Ele inicialmente pretendia usar esse tipo de lente para fotografar tetos grandes e grandes, mas depois percebeu que também distorce os objetos de perto, observando que ele “nunca planejou isso”. Embora esta tenha sido uma nova descoberta para Brandt, logo se tornou quase sua estética característica, e é especialmente evidente em seus nus. Colocando a câmera muito perto de seus assuntos, a grande angular aumenta o primeiro plano em um grande grau, fazendo com que as partes do corpo pareçam altamente desproporcionais. Os principais exemplos disso são encontrados em "Campden Hill, agosto de 1953" e "Hampstead, Londres, 1952" - neste último, os pés da pessoa estão tão distorcidos que escondem o resto do corpo. Esta técnica de grande angular dá a muitos dos nus de Brandt uma qualidade altamente surreal, na qual o corpo humano se expande e se deforma em formas bizarras. O trabalho de Brandt é, portanto, particularmente subversivo, dada a história do nu na arte, que há muito tempo privilegiou proporção e simetria.

A seleção de trinta e cinco nus da Marlborough Gallery, portanto, mostra muitas facetas da carreira artística de Brandt: a difusão de uma estética da paisagem na forma humana, suas técnicas inovadoras de câmara escura e sua ruptura com o nu clássico com sugestões de surrealismo. Altamente abstratos e esteticamente envolventes, os nus de Brandt são um componente atemporal da fotografia do século XX.


Os diretores da Marlborough New York têm o prazer de apresentar Bill Brandt: perspectiva de nus, uma exposição de fotografias de nus seminais que abrangem a carreira do fotógrafo britânico nascido na Alemanha Bill Brandt (1904-1983). A exposição será aberta na sexta-feira, 12 de março de 2021, e permanecerá em exibição até sábado, 8 de maio de 2021. Composta por 35 fotografias, a exposição explora o estudo longitudinal de Brandt & rsquos da forma feminina nua entre 1945-1979. A publicação da galeria que acompanha apresentará um ensaio de Martina Droth, vice-diretora e curadora-chefe do Yale Center for British Art, e de Paul Messier, chefe do Lens Media Lab do Instituto para a Preservação do Patrimônio Cultural da Universidade de Yale.

Bill Brandt ganhou reconhecimento como fotojornalista nas décadas de 1930 e 1940, capturando imagens de todos os níveis da sociedade britânica para revistas como Lilliput, Picture Post e Harper & rsquos Bazaar. Depois de voltar seu foco para a fotografia de nus por mais de uma década, ele publicou seu importante livro de fotos Perspectiva de Nus (1961), e em 1969 ele foi o tema de uma grande retrospectiva no Museu de Arte Moderna de Nova York, que viajou internacionalmente. A primeira exposição de Brandt & rsquos em Marlborough, Nova York, em 1976, foi uma virada crítica na localização de seu trabalho no contexto das belas-artes.

Inicialmente influenciados pelo trabalho de Man Ray, os primeiros experimentos de Brandt & rsquos com fotografia de nus ocorreram em Paris antes da Segunda Guerra Mundial. Mas não foi até seu retorno ao gênero em 1944, quando estava de volta à Inglaterra, que suas explorações no potencial escultural do corpo e no espaço bidimensional da impressão fotográfica estimularam um estudo meticuloso e de longo prazo, em grande parte livre das convenções clássicas idealizadas .

A descoberta simultânea de Brandt & rsquos de uma câmera Kodak com lente grande angular, permitindo o uso de extrema profundidade de campo junto com distorções formais e espaciais, forneceu-lhe uma direção para a investigação estética que guiaria a evolução de sua fotografia de nus ao longo dos anos . Such distortions to the feminine body flouted the supposed proportional perfection of the classical nude of western art history, in favor of the more strange and quotidian. Furthermore, his use of stark contrasts between brightly lit forms and dark black shadows suggested an ongoing interplay between strict dichotomies: foreground and background, presence and absence, subject and object.

Later, a second series of nudes would develop from the first, which had mainly been captured in the privacy of London interiors. Inspired by travels in France and his own resulting work in landscape photography, these later images analogize and juxtapose the forms and textures of the feminine nude with and against the organic forms of the harsh, stony beaches of southern England and northern France.

Bill Brandt is currently the subject of a retrospective exhibition organized by KBr Fundación MAPFRE, Barcelona (2020-21), traveling to Versicherungskammer Kulturstiftung, Munich (March - May 2021) Sala Recoletos Fundación MAPFRE, Madrid (June - September 2021) and FOAM, Amsterdam (September 2022 - January 2023) as well as Bill Brandt / Henry Moore, organized by the Yale Center for British Art in partnership with The Hepworth Wakefield, accompanied by a major new book published by Yale University Press.


Bill Brandt: A Life

In this lengthy biography of Bill Brandt, author Paul Delany presents the renowned British photographer as a shy and complex individual. Brandt was born in Hamburg, Germany as Hermann Wilhelm Brandt in 1909. His father’s family was successful in banking and international trade, while his mother’s kin were members of the Hamburg governing class, thus Brandt and his five siblings lived their early days according to the highest bourgeois standards. As Delany suggests, “it was a life of wealth, comfort and order of lavish food and drink” (15). Yet despite (or because of) this privilege, Brandt spent the duration of his life actively trying to escape this past.

Delany’s description of Brandt’s childhood has all the makings of a colorful Freudian case study. He was a sensitive and thoughtful boy who was constantly subjected to the whims of a despotic father. Unable to seek protection from his vulnerable mother, he consequently sought comfort in the arms of his beloved nanny. Although Brandt found some respite upon the elder Brandt’s internment as an enemy-alien (because he was of English birth) for the duration of the First World War, as soon as the Brandt family patriarch returned the boy was sent away to military-like boarding school where he apparently suffered innumerable humiliations. “There is ample evidence,” Delany argues, “that Brandt suffered a psychic wound . . . something so hurtful that it affected every area of his life afterwards” (24). Finally, just as he was finishing at the treacherous Bismarckschule, Brandt was diagnosed with severe tuberculosis and was admitted to a sanatorium where he stayed for four years under the care of a draconian German physician.

For Brandt, Delany argues, the aforementioned doctor’s cruelty, his own father’s tyranny, and his abuse at boarding school led him to reject Germany at a very deep level. For the rest of his life he therefore worked to obliterate his own history. When he recovered from tuberculosis, he went to Vienna, where he was apprenticed to a portrait photographer. He then moved to Paris and became an assistant to Man Ray. Using his British citizenship (granted because of his father), he finally landed in London in 1934 and re-named himself “Bill” Brandt. He subsequently refused to speak German, changed the story of his birth, and would never allow himself to be tape-recorded in interviewsfor fear his accent would betray him.

Brandt, however, could not erase these experiences entirely. As Delany argues, the trauma he endured as a child and young adult plagued him psychologically through his later life. For instance, he suffered extreme neediness and could never be without the affection of at least two women (in fact, he lived much of his British life in a ménage a trois with first wife Eva Brandt and mistress Marjorie Beckett). He also developed intense sexual obsessions, which are illustrated particularly well in his photographs of nudes from the 1940s and 1970s (his Bound Nude of 1977/80 is an excellent example, depicting a naked woman propped in a corner, tied-up, and hooded). Moreover, as he grew older, he suffered more and more from a debilitating paranoia.

Owing to the fact that Brandt was always an extremely private individual, and became more so in later life, it is truly remarkable that Delany could produce such a lengthy and detailed biography. Yet Delany’s depth is also problematic. Because Brandt did not leave behind any record from which to gather information about his life other than his photographs (for instance, letters in an archive, etc.), Delany’s attempts to analyze basic facts are often elaborated with speculation rather than reasoned scrutiny. For example, when he describes the role of Brandt’s nanny in his childhood home, instead of admitting his lack of information, he casually suggests that:

the nanny might well be a pretty and submissive girl, whose affection for her charges could easily catch the eye of her master. The mother might not find out what her husband was up to, or might not have enough power to drive out her rival, as in the enduring ménage-a-trois for which the household of Karl Marx was notorious. It was not unheard of for the father to arrange for his sons to be sexually initiated by one of the female servants who had also served his own needs (17).

These suppositions appear even more overdone after it is made clear that Delany does not have enough facts about the nanny even to know her name, let alone the salacious details of her place in the household.

Much of Delany’s analysis revolves around Brandt’s obsession with erasing his German past and trying to become English. The terms “English,” “England,” and “Englishness” are thus deployed frequently throughout the book. Yet beyond his mere use of these terms, Delany does little to analyze what they actually mean. Using “England” over “Britain” or “Englishness” over “Britishness,” however, is quite a significant choice. Indeed, for the last twenty years, historians and critics have battled over these terms and the implications of their use. They are not, in other words, merely descriptive. “English” (as well as “England” and “Englishness”) connotes those characteristics (real or imagined) historically associated with the southern-most country of the British Isles: largely middle- and upper-class, protestant, white, heterosexual, colonial-minded, and quite patriarchal. Britain, however, is a more inclusive term that indicates the peoples and identity politics of Scotland, Wales, e England (and using “United Kingdom” would further add Ireland). 1 Thus as David Peters Corbett, Antony Easthope, and Simon Gikandi amongst others have argued, to choose one term over the other has quite serious political, social, and cultural implications. 2 And although I have no doubt that Brandt attempted to specifically embrace England rather than Britain, I do not think that Delany is concerned about the difference.

Finally, this book disappointingly follows the well-worn path of ascribing innate genius to the male artist. This is to say, because Delany chose to investigate Brandt on a psychological rather than a socio-historical level, the book contains little or no reference to those factors that allowed white male artists to succeed many times more often than their female counterparts in early twentieth-century Europe. Brandt’s accomplishment, in other words, is never attributed to the patriarchal organization of society, issues of wealth and class, skin color, or sexual orientation. Rather, Delany’s argument primarily details the photographer and the workings of his individual mind, leading the reader to infer that he assumes Brandt’s talent was purely instinctive This is never the case. More seriously, however, as Linda Nochlin, Rozsika Parker, and Griselda Pollock have argued, histories of art in which men are innately destined toward creativity and invention, always leave the opposite implied: that women are essentially intellectual nonentities, merely fated to use their biological skills to become wives and mothers. 3 Thus, although Delany’s exploration of Brandt’s psychology is interesting (sometimes even inspiring a feverish page-turning), perhaps he should have also investigated the photographer’s life from a wider, socially-inspired perspective, not least of all to avoid accusations of prejudice.


Assista o vídeo: Bill Brandt BBC Master Photographers 1983


Comentários:

  1. Osmin

    Parabéns, seu pensamento é ótimo

  2. Fekora

    Parabéns, isso terá uma ideia diferente apenas a propósito

  3. Chayson

    Bravo, você tem um ótimo pensamento

  4. Nabil

    Sugiro que você visite o site onde existem muitos artigos sobre o tópico que lhe interessam.



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